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LA HUELGA – SIN DIOS

 

Hoy ha saltado la chispa, ni dios irá a trabajar
¿quién se come aquí la crisis? pero esto va a cambiar.
Es-la-huel-ga.
Terror capitalista exige una respuesta.
¡hay que darla ya!
La única forma de pararles los pies
Es recordarles quién mantiene a quién.
No nos van a silenciar,
Ya es hora de que se oiga la voz ¡¡¡del pueblo!!!
La decisión está en la asamblea; acción directa, difusión.
Nadie cree ya en burocracias, manipulación sindical.
Cuidado con los esquiroles, son peor que los patrones.
Huelga ¡¡general!! huelga ¡¡hasta vencer!!
Hoy ha saltado la chispa, ni dios irá a trabajar
¿quién se come aquí la crisis? pero esto va a cambiar.
¡¡¡¡ es-la-huel-ga !!!!.

Para ir calentando motores ante la huelga general de este 29 de marzo, nada mejor que esta canción “La Huelga” del grupo madrileño de hardcore punk “Sin Dios”. Este excelente grupo es uno de los mas humildes y solidarios que he conocido.

  Uno de los primeros conciertos en los que vi a “Sin Dios”, fue este del “10º aniversario de Radio Bronka” en la desaparecida casa okupa del Guinardó, en este gran concierto tocaban “El Oso Yonki”, “A Deguello”, “Ostia Puta” y por ultimo “Sin Dios”. El concierto estubo bien, demasiado largo , si no recuerdo mal esto fue a mediados de los 90 allá por el año 1997.

 Sin Dios nace en verano de 1988. Con una formación original de dos guitarras, bajo y batería damos algunos conciertos, unos 5 o 6. En uno de ellos tocamos con Olor a Sobako en un concierto por la insumisión y nos hicimos amigos de ellos, llevándonos a tocar a las jornadas libertarias que se celebraron en Candas en 1.989. De esos miembros quedaría Pepe a la guitarra e Ignacio al bajo.

A la vuelta de ese concierto el batería que teníamos se va del grupo entrando Canino de Olor a Sobako. Ensayábamos en el local de éstos y de Tarzan (Tarzan y su puta madre ocupando piso en Alcobendas… ¿te acuerdas?) y las primeras apariciones en el escenario las hacíamos sin canciones compuestas, improvisando y pegando berridos sin vergüenza alguna. Cuando tuvimos un puñado de temas medio presentables nos fuimos a grabar a un estudio y en unas horas parimos la música de la maqueta  “…Ni amo”, editada por Sabotaje y Molotov. Con la maqueta en la calle  nos salen muchos conciertos fuera de Madrid a los que íbamos casi siempre con Tarzan.

En lo sucesivo todas las ediciones de nuestro grupo vendrían apoyadas por Fernando de Potencial Hardcore. Si alguien ha estado al lado de Sin Dios en las duras y las maduras ese ha sido Fernando, dándonos siempre lo que le pidieramos con una afabilidad exquisita, respetándonos en todas las decisiones que tomaramos.

En nuestra ciudad  tocábamos sin parar llegando incluso a hartar a la gente que frecuentaba las ocupas de Madrid. Había un concierto y allí estábamos nosotros. Al girar ahora por el resto del país descargamos a nuestros conciudadanos de nuestra reiterada presencia en los eventos alternativos del foro.

Los primeros años del grupo los vivimos con el apasionamiento de la novedad: descubrir mucha gente comprometida, actividades de colectivos, locales de conciertos por toda la geografía ibérica etc.

Estábamos imbuidos en la lucha anarquista y cantábamos y componíamos las letras desde la óptica de militantes sinceros, y visto ahora con el tiempo, algo ingenuos. Íbamos a tocar donde nos llamaran sin importarnos si nos pagaban o si nos iban a dar de comer. Conocimos gente estupenda y nuestras ideas se fortalecían al viajar y comprobar que, por todos los lados. había personas y colectivos que resistían. Barcelona, Bilbao, Valencia, Gijón o Zaragoza eran ciudades que nos iban acogiendo con calor en sus squats o Ateneos libertarios. En el 92 participamos junto a Reincidentes, Maniática y Tarzan en un concierto contra la Expo en Sevilla que tenemos a recordar por la represión que después, por la tarde, en una manifestación, se desencadenó sobre los que alzábamos la voz en contra del despilfarro y el espectáculo inmoral de la exposición universal de Sevilla. Heridos de bala y decenas de detenidos fueron ocultados para no empañar los fastos del capital. En el día de la Hispanidad la historia fue parecida, cuando en Sevilla también se celebró una manifestación contra el V centenario y al entrar en la Catedral, cargar la policía y llevarse a un montón de gente detenida. Sin Dios estábamos también por allí tocando y manifestándonos, y desde esos dos sucesos nunca más hemos vuelto a la capital sevillana.

 En Madrid nos involucramos en lagunas de las actividades del centro social Minuesa. Allí era donde Sin Dios dimos más conciertos. Desde el primero, en una Nochevieja en la que a contrarreloj montamos un precario escenario, hasta el último que se dio previo al desalojo.

En ese centro okupado nos sentíamos como en casa. Entre semana se realizaban las reuniones de colectivos y en el finde siempre había alguna actividad, fiesta o concierto, vinculadas a proyectos políticos.  La trayectoria de los miembros del grupo estaba muy relacionada con el movimiento de ocupación, viviendo en casas ocupadas, participando en centros sociales como Minuesa o el Centro Social Seco, con distribuidoras alternativas, colectivos antifascistas o de insumisos. Íbamos siempre a tocar con los Tarzan y la gente asociaba a un grupo con otro.  Llegó el desalojo de Minuesa y por discusiones a raíz de éste entre nosotros deshicimos el grupo.

Durante un año y medio estuvimos cada uno por su lado en lo musical haciendo otras cosas. Al año y medio nos dimos cita en el Lieja y superamos toda diferencia en el primer mini de cerveza.

Los conciertos eran generalmente en casas ocupadas o al aire libre y organizados siempre por el movimiento autónomo o libertario. En el 94 participamos en un gran festival coincidiendo con la marcha contra el paro y la pobreza en la que tocamos con Tarzan, Vomito, Maniática y La Polla Records ante 5000 personas. Sin Dios ya empezábamos a ser conocidos. Comenzó una nueva etapa en la que continuamos tocando en solitario, sin Tarzan.

En los conciertos moviamos nuestros disco por intercambio y al poco tiempo nos encontramos con una gran cantidad de material para vender de otras distribuidoras. De la necesidad de autogestionar nuestros trabajos y de dar salida al material que teníamos, creamos Difusión Libertaria La Idea, estrenándonos en la edición del Guerra a la Guerra.

 

 

Al poco de grabar el Guerra a la Guerra nos quedamos sin bajista. Ignacio se marcha y entra en su lugar Pepino, que había tocado anteriormente en Valhala y Hechos contra el Decoro.

La Idea montamos un local de distribución de libros anarquistas y música alternativa  en el centro de Madrid, donde, en el sótano podíamos ensayar Sin Dios. Para el grupo ensayar en un local propio resultó un gran desahogo y privilegio, solventado el problema de tener local de ensayo, que aqueja a casi todos los grupos.

Por azar un día conocimos a unos Holandeses crusties  a los que les montamos un concierto improvisado en la ocupa El Laboratorio. De ese encuentro surgió una buena amistad con dos de ellos principalmente, con Mijail y Eva, que influirían decisivamente en la carrera del grupo al proponer llevarnos de gira por Europa. Hasta entonces ni se nos había pasado por la cabeza salir de la piel del toro y allá por el 98 nos embarcamos en un inolvidable tour por toda Europa. Como toda novedad fue una experiencia que tenemos todavía grabada. Mijail y Eva nos vinieron a buscar con su furgoneta y desde Madrid partimos en un periplo apasionante de controles fronterizos, lenguas y monedas diversas (todavía no estaba el euro) conociendo activistas y militantes de todas partes del viejo continente. Esa gira sembró una semilla que recogeríamos más tarde con la publicación de nuestros trabajos en sellos alemanes y holandeses.

Desde aquella salida fuera de España nos atrevimos ya con todo. Con la edición del Guerra a la Guerra en México se nos abrieron las puertas a ese maravilloso país y estuvimos casi más de un mes dando 17 conciertos por casi toda la Republica Mexicana, organizado todo por los compañeros de las Juventudes Antiautoritarias y Revolucionarias, con los que, además entablamos una bonita amistad.  Aun volveríamos en dos ocasiones más por ese país.

Con el Guerra a la Guerra traspasamos la distribución para mover nuestros discos además a través de una cadena de tiendas que respetaban nuestro precio. Esta decisión causó algo de polémica pero hizo que mucha gente que no tenía a su alcance  los discos alternativos pudiera escucharnos, sobre todo gente de fuera de las grandes ciudades. Durante  estos años Sin Dios no parábamos de tocar, hacer entrevistas y dar a conocer nuestras ideas. En el plano ideológico nos fuimos desmarcando poco a poco del área autónoma para centrarnos en el movimiento libertario.  Nos fuimos acercando al sindicato C.N.T. al que admirábamos por su pasado glorioso, pero del que hasta entonces nos manteníamos algo alejados. Este acercamiento y posterior filiación y militancia nos lleva a ser llamados a conciertos organizados por este sindicato cada vez con mayor regularidad. A su vez forjamos buenas relaciones con grupos compañeros y afines como los Puagh o Los Muertos de Cristo.

 En el 99 grabamos en audio y video varios conciertos de los que sacaríamos un disco en directo a beneficio de unos anarquistas brasileños perseguidos y un video titulado “Mas de diez años de autogestión”. Con este video rompimos  la línea que habíamos tomado años antes de no publicar fotos nuestras y no pasó nada. Montado en ochenta horas por el compañero Ricardo del Sindicato de Artes gráficas de C.N.T. de  Madrid salió editado a medias entre el sindicato, La idea y Potencial Hardcore.

Con el tiempo planeamos grabar nuevo disco y decidimos ir a grabar a Utrecht, Holanda. Nada contentos con los estudios por los que habíamos pasado nos fijamos en los créditos de los discos de bandas que nos privaban (Manlighting banner, Seein red, Catweazle) descubriendo que todos ellos habían pasado por el Bunt Studio de Menno Baker. Económicamente se nos hacía viable y allí nos plantamos para hacer en una semana el disco Ingobernables.

A la vuelta de la grabación Pepino deja el grupo. Para el puesto libre cogimos a Guti. Guti era fan nuestro y curiosamente aparecía en primera fila del publico en el “mas de diez años de autogestión” cantando como un loco todas las canciones. Guti fue el único en la historia de Sin Dios  que tenía unas mínimas nociones de música y con él aprendimos  formas nuevas de pelearnos en el local de ensayo.  Por esa época también encontramos a otra persona que cambiaría nuestro rumbo, Fede. Todo grupo que actúe con regularidad cae rápidamente en la cuenta de que se necesita un técnico de sonido en directo que vele por que afuera del escenario el ruido se limite a lo estrictamente intencionado, o sea que la banda suene medianamente bien. Normalmente los técnicos son “mercenarios” que no forman parte del grupo y al que acompañan por un tanto fijo por actuación.  Sin Dios necesitábamos un técnico desde hacia tiempo. En muchas ocasiones venía un amigo, Alex, con nosotros, pero la cosa no cuajó. A Fede le conocimos a través de Los Muertos de Cristo y fue un flechazo mutuo por ambas partes. Él se contagio del espíritu sindiosero de honradez en la  autogestión y nosotros de su energética predisposición a hacer posible lo imposible. Desde entonces entró a formar parte del grupo como uno más, con los mismos derechos y obligaciones, ocupándose de sonorizar los conciertos, grabarnos, masterizar, y tener siempre un impecable buen humor.

 

 

 

La etapa de Sin Dios con Guti fue en la que más salimos a tocar por el extranjero (Suiza, Finlandia, Francia, Japón, México, Puerto Rico, EEUU, Brasil, Uruguay, “Argentina”, Chile, Alemania, Inglaterra, Portugal, Austria, Chequia, Polonia, Eslovenia, Croacia, Hungría, Bélgica, Holanda…). El popular sello alemán Skuld Releases  sacó nuestros tres primeros trabajos en un vinilo doble benéfico  de cuidada presentación que nos dio a conocer fuera de nuestras fronteras y, después, hizo lo mismo con el Ingobernables. De ahí que nos llamaran de muchos países para ir a tocar, teniendo que declinar la oferta en muchas ocasiones por falta de tiempo. A diferencia de nuestros primeros años, en los que tocábamos exhaustivamente por Madrid y aledaños, desde el 2000 las apariciones en nuestra ciudad son mucho menores. El atractivo de viajar era superior al repetir conciertos en las mismas ciudades. La gira más chocante fue la de Japón  por la que sentimos que habíamos tocado techo, llegando a realizar algo que nunca hubiéramos imaginado y que quizá nunca más repetiríamos.

Después de componer unas cuantas canciones planeamos volver a grabar a Holanda con Menno y así lo hicimos, sacando meses después el Odio al Imperio.

En Noviembre de 2003 hicimos la última gira con Guti. Una viaje lleno de sobresaltos de todo tipo por Brasil, Uruguay, Argentina y Chile que nos dejo un sabor agridulce y que llevo a Guti a dejarlo definitivamente.

 

 Por tercera vez nos veíamos sin bajista, con los ánimos decaídos y sin tener muy claras las intenciones de continuar. Fue Fernando de Potencial Hardcore el que nos sugirió que probáramos a tocar con Perico de los 37 Hostias. Así lo hicimos y con Perico inauguramos otra época, ésta vez la última. Perico introdujo en el grupo mucha dosis de humor. Los viajes eran muy divertidos y relajados. Con él fuimos a Italia, Holanda y Portugal riéndonos continuamente de todo.  En el 2006, con casi 18 años de Sin Dios a nuestras espaldas decidimos dejar el grupo, sin una razón única que lo justificase.

 

 Este ha sido el relato de Sin Dios escrito del tirón. Quizás adolezca de falta de continuidad en el ritmo narrativo o se escapen muchas cosas, porque tanto tiempo es difícil abarcar con rigor cronológico. Si no se ha mencionado a alguien o algo reseñable pedimos disculpas porque no ha sido intencionada su omisión.  Agradecemos a todos los que nos habéis ayudado, apoyado,  ofrecido vuestra casa, comida o compañía, organizado conciertos, compartido escenario, distribuido discos, entrevistado o escrito. Incluso para todos los que infantilmente  nos difamaron, boicotearon, insultaron o desearon maldiciones varias, agradecerles también haber sido el necesario picante de nuestra trayectoria. Para todos los que compartisteis de alguna manera u otra estas mismas ideas que hemos cantado os decimos: muchas gracias y a seguir puño en alto.

PAGINA DE SIN DIOS:
http://www.sindios.info/

«Ruido Anticapitalista » LP compartido 1991

12 canciones grabadas en los estudios Sonex para lo que sería un LP a medias con Tarzan. El técnico fue Tores. Fue editado por el sello alternativo Potencial Hardcore y las dos bandas en formato de vinilo. Cargados de ilusión fue la primera vez que Sin Dios nos metimos en serio en un estudio, aprendimos muchas cosas y quedamos muy contentos y orgullosos con el resultado. El sonido es potente, sobre todo la batería y pese a la buena calidad en general, con el tiempo comprendimos que aún seguíamos siendo un poco pardillos en estos asuntos del sonido.  Hicimos nuestros pinitos en la autoproducción al financiarlo con un inolvidable concierto en el centro okupado de Minuesa. La maquetación del libreto la hicimos con Luís de Tarzan. La tirada fueron 3.000 copias de los antiguos elepés, con su precio marcado en portada, 800 pesetas, impronta ésta de marcar con el precio, que no abandonaríamos en los sucesivos trabajos.

Alerta Antifascista. 1993.

Primer Larga Duración para nosotros . 12 canciones en la misma linea que el anterior trabajo, pero que por diferente producción suena bien diferente a ese. Grabado tambien en Sonex con Tores y Micki, dispusimos de más tiempo para tocar, grabar y mezclar lo que motivó que el sonido fuese mejor, pero más limpio, más pop. La consecuencia de esto es que es el disco que más gusta a mucha gente. Se editó entre las distribuidoras alternativas Potencial Hardcore, El Gato Salvaje, Mala Raza y la editorial anarquista Queimada. En el libreto del disco además de las letras y comentarios, colaboran luchadores del Movimiento Libertario tales como Abraham Guillen (Economista Libertario Internacional ya fallecido) o Antonio Téllez (Historiador e investigador Libertario) y colectivos como la Radical Gai, Dones Esmussades o el Colectivo Autónomo Antifascista. De este trabajo se venden 4000 vinilos.

 Reedición Alerta y Ruido. 1988

En mayo de 1998 se reeditan los dos primeros LP’s en formato CD y cinta junto con un libro. La razón de esta reedición es que en su día estos trabajos, salieron únicamente en vinilo y el formato digital se iba implantando cada vez más. Fue llevado a cabo por Difusión Libertaria La Idea, Potencial Hardcore y Queimada.    La portada y maquetación del libro la hicimos con nuestro amigo Santi. La presentación la producimos en un formato que después no abandonaríamos, la del libro disco, aunque para la primera tirada tuvieramos que pegar nosotros  miles de carátulas. De este trabajo se vendierón más de 13.000 copias en nuestro pais.También fue editado en México por las J.A.R..

NOS VEMOS EN LA HUELGA, SALUT Y BUEN VIAJE.

 

 

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THERE IS A LIGHT THAT NEVER GOES OUT – THE SMITHS

SÁCAME ESTA NOCHE
DONDE HAYA MÚSICA Y HAYA GENTE
QUE SEAN JÓVENES Y ESTÉN VIVOS
UNA VUELTA EN TU COCHE
NUNCA QUISIERA IR A CASA
PORQUE NO LA TENGO
¡NINGUNA!
SÁCAME ESTA NOCHE
PORQUE QUIERO VER LUCES Y QUIERO VER GENTE
DANDO UNA VUELTA EN TU COCHE
OH, POR FAVOR NO ME DEJES EN CASA
PORQUE NO ES MI CASA, ES SU CASA
Y NUNCA VOLVERÉ A SER BIENVENIDO
Y SI UN AUTOBÚS DE DOS PISOS
SE ESTRELLA CONTRA NOSOTROS
MORIR A TU LADO
QÚE FORMA DE MORIR TAN CELESTIAL
Y SI UN CAMIÓN DE DIEZ TONELADAS
NOS MATA A LOS DOS
YA VES, EL PLACER Y EL PRIVILEGIO SON SÓLO MÍOS
SÁCAME ESTA NOCHE
LLÉVAME ADÓNDE SEA, ME DA IGUAL,
NO ME IMPORTA
Y EN EL OSCURO TÚNEL SUBTERRÁNEO PENSÉ
OH DIOS MI OPORTUNIDAD POR FIN LLEGÓ
(PERO ENTONCES UN EXTRAÑO MIEDO ME PARALIZÓ
Y NO PUDE PEDIRLO)
SÁCAME ESTA NOCHE
LLÉVAME ADÓNDE SEA ME DA IGUAL,
NO IMPORTA
DANDO UNA VUELTA EN TU COCHE
NO, NO QUIERO VOLVER A CASA
PORQUE NO TENGO NINGUNA
¡NO TENGO NINGUNA!

The Smiths grupo imprescindible para cualquier taxista que le guste la música (hasta para el Fary). Para muchos son el grupo británico de rock alternativo más importante de finales del siglo XX (lo dice hasta Justo Molinero).

 The Smiths fue un grupo de rock que se formó el año 1982 en Manchester, Inglaterra.The Smiths nació con la siguiente formación: Johnny Marr (guitarra, teclados, mandolina, bajo y armónica), Stephen Patrick Morrissey (voz y piano), Mike Joyce (batería y coros) y Andy Rourke (bajo y cello).
En 1983 The Smiths firman contrato con la discográfica Rough Trade Records y graban su primer sencillo “Hand in Glove”. Posteriormente lanzaron a las radios los temas “This Charming Man” y “What Difference Does It Make?”. De esta manera se fueron haciendo conocidos y en 1984 lanzan su álbum debut bajo el título de “The Smiths”. Con este LP consiguieron alcanzar el segundo puesto en las listas inglesas. Sin embargo la prensa los atacó duramente ya que, según ellos, canciones como “The Hand That Rocks The Cradle” y “Reel Around the Fountain” promovían la pedofilia.
En 1984 The Smiths publican el disco recopilatorio “Hatful of Hollow” que contenía sencillos de éxito y versiones de los temas que habían sido grabados especialmente para ser lanzados en la radio por el DJ John Peel.

Un año más tarde editan el LP “Meat Is Murder” (1985), el cual logró colocarse en la primera posición de las listas británicas. De este álcum se extraen temas como “The Headmaster Ritual” y “Barbarism Begins At Home”.

Por ese entonces también presentan el sencillo “How Soon Is Now?”, que se convirtió en todo un éxito en las emisoras.
Para promocionar su última producción, la banda se embarca en una gira por el Reino Unido y los Estados Unidos. Terminada la serie de conciertos, regresan a los estudios para darle vida al álbum “The Queen Is Dead” (1986). Sencillos como “Bigmouth Strikes Again”, “Never Had No One Ever” y “Frankly, Mr Shankly” se extrajeron de este álbum. El disco fue muy bien recibido tanto por el público (logró situarse en el segundo puesto de las listas de éxitos) como por la crítica, que consideró este su mejor obra como conjunto musical.

 Poco tiempo después el bajista Rourke fue expulsado de la banda por sus problemas con la heroína y fue reemplazado en un primer momento por Craig Gannon. Pasadas algunas semanas Rourke se incorpora nuevamente al grupo y Gannon pasa a ubicarse como guitarrista.

Con esta nueva formación, The Smiths editaron los temas “Panic” y “Ask”. Pasado algún tiempo volvieron a emprender una nueva gira, esta vez tan solo por Inglaterra. Al finalizar los conciertos, Gannon abandona el grupo.

Un año después sale a la venta el LP recopilatorio “The World Won’t Listen” (1987), el cual volvió a situarse en el segundo puesto de las listas. También ese mismo año aparece otro disco recopilatorio bajo el título de “Louder Than Bombs” (1987). La diferencia entre uno y otro es que cada uno fue pensado para ser vendido en distintos lugares. Es decir que “The World Won’t Listen” salió a la venta en el Reino Unido mientras que “Louder Than Bombs” lo hizo en Estados Unidos.

 Pasados algunos meses graban el disco “Strangeways, Here We Come” (1987), que se colocó en la segunda posición de las listas del Reino Unido.
Para ese entonces ya existían problemas internos dentro del conjunto. Morrissey y Marr tenían puntos de vista distintos y decidieron acabar con The Smiths.
En 1988 sale a la venta el disco en vivo “Rank”, y un año después se presentan dos álbumes recopilatorios en paralelo. Por un lado “Best…I” (1992), y por el otro “…Best II” (1992).

Tres años más tarde vuelve a salir al mercado una nueva recopilación de éxitos de The Smiths, esta vez denominada “Singles” (1995).
 Tras la separación, Morrissey se lanzó como solista, mientras que Johnny Marr se unió a Bernard Sumner (de New Order) y Neil Tennant (de los Pet Shop Boys) para darle forma al grupo “Electronic”. Por su parte, Andy Rourke y Mike Joyce continuaron trabajando juntos al lado de Morrissey y otros artistas más.

En el 2005, el canal de televisión VH1 intentó reunir a la banda para un programa especial, pese a que los demás miembros estuvieron de acuerdo, Morrisey se negó.

En Noviembre de 2008 se publica “The Sound Of The Smiths”, un disco elaborado bajo la supervisión de Morrissey, que eligió el título, y Marr, que se ha hecho cargo de todo el proceso de masterización. El álbum contiene 45 canciones divididas en dos CDs. El primero de ellos incluye todos los singles del grupo y el segundo destapa el lado oculto de Smiths y contiene caras B y canciones inéditas.

Esta canción “There is a light that never goes out” coresponde al disco “The Queen Is Dead” tercer disco de The Smiths. Lanzado el 16 de Junio de 1986, este es sin dudar el mejor álbum de la banda, y asi mismo, un disco  fundamental para entender la evolución del rock. Sin duda, el rock alternativo nace aqui, con estas 10 canciones, y sirvió de influencia para miles de bandas.
Es aqui donde la combinación Morrissey-Marr llega a su punto máximo de inspiración, logrando esta obra maestra revolucionaria llena de poesía y grandes temas. Para mi, se trata de uno de los mejores álbumes de los 80 sin dudar,  La melancolía rodea el disco a todas sus anchas,  y encontramos el dramatísmo de temas como Never Had No One Ever, la fuerza de The Queen Is Dead (Take Me Back To Dear Old Blighty) y Bigmouth Strikes Again, la serenidad de Cemetery Gates, el positivismo de The Boy With The Thorn In His Side, . Ninguna de las canciones defrauda, inclusive algunas más curiosas como Vicar In A Tutu. Para escuchar sin saltarte ninguna.
“There is a light that never goes out” es sin duda la mejor cancion, perfecta para escuchar conduciendo el taxi, y dejar volar la imaginación, sacame esta noche….

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SALUT Y BUEN VIAJE.

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SESIONES DE JAZZ EN EL TAXI

BASAURI – Carlos Velasco, que ha editado un disco recientemente, compagina las profesiones de músico y taxista.

CARLOS no pierde el tiempo dentro del taxi. Mientras espera pacientemente a que un cliente le haga pulsar el taxímetro, él ensaya con una pequeña guitarra eléctrica temas de jazz. Los que le conocen no se extrañan. Saben que Carlos es un experimentado músico que compagina las actuaciones musicales y las giras con el taxi. Así lo hace desde hace siete años para poder dar una mayor “una estabilidad económica” a su vida y no abandonar la música, que es su verdadera vocación. Porque Carlos siempre se ha considerado un músico profesional. Su currículum, extenso y variado, así lo confirma. Ha girado, como se dice en el argot musical, con Mocedades, Alejandro Sanz, El Consorcio, Jeanette o Armando Manzaneda, entre otros, y ha obtenido importantes premios en prestigiosos concursos de jazz. Recientemente ha publicado un álbum titulado Muy personal, donde ha intentado plasmar toda su trayectoria musical. Del taxi sólo le disgusta trabajar de noche, y no por lo horarios, sino por “la gente, que en muchas ocasiones se muestra muy irrespetuosa”. Su futuro, por ahora, seguirá ligado a la música y al taxi, un binomio que a Carlos le compensa.

Su padre era un gran aficionado al flamenco. Por eso en su casa de Basauri nunca faltó una guitarra. Carlos logró sacarle los primeros acordes a los cinco años gracias al empeño de su progenitor. Sin embargo, no fue hasta unos años más tarde cuando empezó de verdad a “meter horas y a tocar cositas”. Los siguientes pasos fueron los naturales en un joven apasionado por la música. Fue tocando en diferentes grupos locales hasta que un buen día le comenzaron a llamar para ir de gira con grupos consagrados. Se fue metiendo de lleno en un mundo que no se caracteriza precisamente por la estabilidad económica. “Siempre que volvía de gira”, recuerda ahora, “pensaba que tenía que buscarme algo de cara al futuro porque ya estaba casado y tenía dos hijos”. En esas estaba cuando en uno de los desplazamientos se le encendió la lucecita. “Tenía que ir a Tenerife a tocar, así que llamé a un taxi para ir al aeropuerto do de Loiu. En el trayecto me comentó el taxista que estaba a punto de jubilarse y eso me dio una idea”, cuenta sentado al volante de su taxi. Tras aquel fin de semana en Canarias, Carlos comenzó a moverse para conseguir una licencia en Basauri. “Vi que las condiciones eran factibles y me animé”, cuenta. Eso sucedió el año 2005.

Flexibilidad El balance de estos siete años como taxista es positivo, “aunque con la crisis y la llegada del metro a Basauri la cosa está muy mal”, aclara. Está contento porque le permite compaginar con la música. “Elegí esta profesión”, resalta, “porque yo soy jefe y empleado a la vez, lo cual me da mucha libertad y flexibilidad de horarios”. De esa forma, reconoce que “si un día tengo una actuación o un ensayo puedo cambiar el turno como yo quiera”. También dice que ser profesional del transporte le posibilita “tener un espacio para estudiar”. Carlos tiene instalado en el salpicadero del taxi un ordenador portátil que le sirve para escuchar música y como instrumento de trabajo. Pero el verdadero instrumento con el que ensaya es una pequeña guitarra eléctrica. “Como actualmente hay poco trabajo, tenemos muchas horas muertas en las paradas, así que yo las utilizo para repasar cosas o preparar temas”, dice. Reconoce que es una buena terapia “para no caer en depresión y darle muchas vueltas a la cabeza, aunque a veces no toco ni oigo nada de música porque también hay que desconectar de vez en cuando”. Los clientes que no le conocen se asombran cuando entran en el coche y ven a un hombre tocando la guitarra. “La gente, que es muy educada y respetuosa, se extraña y me dicen cosas como: oh, ya siento molestar, y yo les contesto: ojalá me molestaran más veces porque eso significaría que tengo trabajo”. El respeto, según Carlos, se suele perder por la noches. “Cada vez me gusta menos trabajar de noche; lo llevo peor porque la gente va con copas, lleva otra onda y hay más problemas”. Pero no queda más remedio que seguir al volante. “Hay que llegar a fin de mes y hay muchos gastos”, señala.

Pulpo Pero como Carlos tiene la teoría de que el músico “ha de ser como un pulpo, tener muchos tentáculos”, siempre se está buscando la vida. “Ahora he empezado a dar unas clases en una academia de Llodio y dentro de poco también lo haré en Bilbao”, dice. Imparte clases de jazz, “que es lo que verdaderamente me gusta”. No es la primera ocasión que enseña la técnica musical de la guitarra a los jóvenes. Ya lo hizo en otras épocas en academias particulares, pero lo dejó porque “se pagaba mal y sin seguridad social”. Dentro del mundo de la enseñanza, intentó entrar en escuelas municipales de música. No lo consiguió pese a tener un interesante currículum. “Yo he sido autodidacta en mi formación”, aclara, “pero fui al Conservatorio tres años, cuando ya giraba con Mocedades, para aprender a leer y adaptar la técnica de la guitarra clásica a mi forma de tocar, ya que yo lo hago con púa y dedos”. Un técnica que asimiló y le enriqueció como guitarrista. La misma que ha volcado en el disco que acaba de publicar. “Lo he llamado Muy personal“, dice, “porque lo he dedicado a mi mujer y mis hijos”. Una mujer que le entiende, porque también le gusta la música, y le acompaña en la autocaravana en las giras. Y Carlos no se cansa del volante.

SALUT Y BUEN VIAJE.

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LA PRIMAVERA ESTÁ POR LLEGAR…Y YO, QUIERO VERTE DANZAR

Franco Battiato, lejos del coro de las sirenas


Franco Battiato, cantautor, compositor y agitador cultural, nació siciliano pero se formó en Milán la Roja, en aquellos años sesenta en que Italia entera y especialmente su norte hervía con una propuesta política en la que se aunaban un intenso color rojo con una fuerte impregnación democrática.

En esos años fecundos, la cultura italiana estaba marcada a fuego con el sello del compromiso entre los creadores y su tiempo pero no existían corsés que constriñeran el talento, y así fue como el joven Battiato fue experimentando diversos registros hasta llegar a dibujar una vía propia. Franco Battiato se consolida como un cantautor de vanguardia ampliamente reconocido con discos como “La era del jabalí blanco” (1979), su primer éxito de masas, pero ya desde finales de los sesenta era un creador apreciado y seguido que abría caminos en la renovación de la canción de autor italiana.

En sus temas de ésa época aunaba Franco Battiato el pop electrónico y la música culta con arriesgadas incursiones en las músicas étnicas, Más tarde, en los ochenta, a Battiato le clasifican como “minimalista”, la etiqueta de moda entonces, pero queda claro que su música es perfectamente inclasificable. Las letras del período clásico de Battiato son sorprendentemente frescas y a la vez complejas, y bucean con soltura y audacia en el patrimonio literario italiano clásico y contemporáneo, que reelabora a gusto propio hasta sintetizar versos con contenidos tan concretos, que suelen despistar a quien no tenga cierto conocimiento del universo cultural italiano. Difíciles de traducir, sus letras en castellano no siempre resultan inteligibles, y algunas traducciones cantadas por él mismo son francamente desafortunadas.

En los noventa Battiato rompe con EMI, su discográfica, y desaparece de la escena retirándose a rumiar proyectos, la mayoría de los cuales nunca verán la luz. Paradójicamente es ése exilio interior el que, en épocas de incertidumbre, acaba por convertirle en leyenda viviente para la izquierda italiana. Aparecen varios álbumes recopilatorios suyos, y en España se intensifica la venta de sus traducciones al castellano. Finalmente, y ya iniciado el siglo actual, Battiato reanuda su actividad y comienza a lanzar nuevas obras, que aunque limitadas en su eco debido a los cambios habidos en el mercado discográfico, muestran su interés por seguir explorando en el mundo de la música sin aceptar límites ni encasillamientos.

Sus letras son en ocasiones de una gran plasticidad, como en “Despertar en primavera”:La presencia de la artillería
en países meridionales
unidos en la lucha extranjera
bajo el reino de las Dos Sicilias.
Y los movimientos predecibles
de la tropa y falsas batallas,
olores de pólvora, de fuego
y voces del Estrecho de Mesina.
Sentimiento oculto para mí.
Me enamoré siguiendo el ritmo del corazón
y me desperté en Primavera
.

Otras bucean en la intimidad del alma humana, como en “Nómadas”:Nómadas que buscan los ángulos de la tranquilidad,en las nieblas del norte, en los tumultos civilizados,entre los claros oscuros y la monotonía de los días que pasan.

Caminante que vas buscando la paz en el crepúsculo
la encontrarás,
la encontrarás
al final de tu camino.

Y otras en fin toman clara postura política, como en “Bandiera bianca”, en que se enfrenta al fenómeno del terrorismo de Brigate Rosse durante los llamados Años de Plomo italianos:

En esta época de locos nos faltaban
los idiotas del horror.

He oído los disparos en una vía del centro.
Cuánta estúpida gallina, se pelean para nada.


Sul ponte sventola bandiera bianca,
sul ponte sventola bandiera bianca.

Siciliano, norteño, comunista, libertario, ateo, panteísta, clásico, vanguardista… A sus sesenta y dos años Franco Battiato sigue creando desde los presupuestos ideológicos y mentales que siempre defendió.


Con mi generación pasé el invierno (“Perspectiva Nevsky”) . Un largo invierno, sin duda.

SALUT I BON VIATGE
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OVIDI MONTLLOR I LA FERA…A LA GÀBIA

                                

   Potser després de les festes d’Alcoi dels “Moros i Cristians” hauríem de parlar d’Ovidi Montllor, on va néixer un 4 de febrer de 1942, ben segur aquest cantautor en català ha estat la figura més important que ha donat aquesta terra valenciana, precisament, amb una sensibilitat cap a les arts, especialment la música.

Podríem parlar d’artista total, com a cantautor va pertànyer a la Nova Cançó, moviment artístic i musical que va reivindicar la normalització de l’ús del català a la música en plena dictadura franquista, alhora denuncià les injustícies socials del moment, que per cert encara no han estat saldades. Com a actor va participar en innumerables pel·lícules moltes d’elles també en castellà. Va començar des del teatre al grup “La cassola” d’Alcoi, fins que als 24 anys va tocar el dos cap a Barcelona, treballant al teatre independent, més tard va participar a les companyies de Núria Espert i Adrià Gual.
Es va ajuntar moltes vegades amb Toti Soler, guitarrista i compositor, per musicar poemes de Salvador Espriu, Vicent Andrés i Estellés, Pere Quart i com no d’ell mateix.
Les seves lletres per parlar clar són clarament combatives i d’una marcada tendència comunista. Malgrat que ell s’identificava amb “el partit” (el PSUC, que arrossegava molts joves emmirallats en la URSS durant la lluita clandestina antifranquista) el seu tarannà era llibertari o almenys ho deixava veure. ¿Es pot ser anarquista i comunista alhora? Ell segur que podia ja que en part li venia de família: el seu pare Pepe Montllor un obrer tèxtil d’Alcoi de fermes idees llibertàries lluità al bàndol republicà. Quan Ovidi es referia a que tenia un partit i una ideologia, es probable es referia a això. La seva imatge era sempre vestit de negre.
Es segur la seva rebel·lia el que el va portar pràcticament a l’oblit, quan acabada la transició a molts dels seus els començava a fer nosa, aquests que es varen instal·lar en la cultureta. De manera obligada es va veure a tenir que subsistir al cinema, moltes vegades com a secundari amb prou feina.
Em recordo veure’l tant en comèdies com La portentosa vida del pare Vicent (1978)així com en La ciutat cremadao La fuga de Segòvia de Imanol Uribe, de l’any 1981, basada en un cas real d’uns quaranta presos polítics, la majoria bascos, que l’any 1976 s’escapen d’una presó franquista, pel·lícula trepidant on surt també l’actor Xavier Elorriaga.
En els últims anys de la seva vida, el pobre, a punt de morir-se d’un càncer, començaren a retre-li homenatges, que mínim…ha estat des de aleshores un referent cultural no solament a la seva terra sinó també en el jovent d’aquí, al barri de Gràcia lloc per on l’Ovidi va estar-se, un casal de joves porta el seu nom, també són molts pobles i ciutats que avui dia, algun carrer o plaça porta el seu nom, fins i tot un col·legi major a Alcoi també (qui ho anava a dir…).
He de confessar que quan anava a la biblioteca del meu poble cap a finals dels vuitanta igual que sortia amb algun cd de Led Zeppelin també em vaig interessar molt en aquest cantautor. La seves lletres em despertava el sentit crític, avui dia continuen sent actual malgrat passen els anys, com deia ell, sempre haurà d’haver algú que canti les injustícies. La seva bonhomia em feia entendre com se l’estimaven els seus amics. Ovidi va morir el 10 de març de 1995.

Entre les seves cançons destaquen:

· La samarreta

· La fera ferotge

· Homenatge a Teresa

· Perquè vull

· L’escola de Ribera

· La cançó del cansat

Discografia:

· La Fera ferotge / Cançó de les balances (EP 1968)

· Història d’un amic / La fàbrica Paulac (EP 1969)

· Sol d’estiu / Ell (senzill 1971)

· Un entre tants… (1972)

· Crònica d’un temps (1973)

· A Alcoi (1974) (Reeditat i digitalitzat per Picap 2008)

· Salvat-Papasseit per Ovidi Montllor (1975) (Reeditat i digitalitzat per Picap 2007)

· Ovidi Montllor a l’Olympia (1975) Directe al Teatre Olympia de París (Reeditat i digitalitzat per Picap 2008)

· De manars i garrotades (1977) (Reeditat i digitalitzat per Picap 2008)

· Bon vent… i barca nova! (1979)

· Ovidi Montllor diu ‘Coral romput’ (doble 1979), reeditat en CD al 2007.

· 4.02.42 (1980)

· Ovidi Montllor… per sempre (recopilatori pòstum 1995)

· Antologia (13cd 2000)

Feia temps que li volia retre homenatge, i ara que sembla voler imposar-se el pensament únic entre tots nosaltres, abans que la nostra societat arribi al suïcidi, trobo bon moment per foragitar pors, a veure si serveix de sotragada i ens fa reaccionar abans que la fera se’ns mengi i ens acabi cruspint.

A. Garcia

                  

                    
A Girona, de la plaça de la Constitución Española a la plaça
d’Ovidi Montllor

La fera ferotge.
Lletra i Música : Ovidi Montllor
Per ordre de l’Alcalde
es fa saber a tothom
que una fera ferotge
del parc s’escaparà.
Es prega a les senyores
compren força aliments
i no surten de casa
fins que torne el “bon temps”.
Tot el que tinga cotxe
que fota el camp corrent,
i se’n vaja a la platja,
a la torre o als hotels.
L’Alcalde s’encarrega,
fent ús dels seus poders,
de la fera ferotge
deixar-la sense dents.
El que això no acompleixca
que no es queixe després
si per culpa la fera
ell rep algun torment.
Jo que no tinc ni casa,
ni cotxe, ni un carret
em vaig trobar aquell dia
la fera en el carrer.
Tremolant i mig mort:
-Ai Déu, redéu, la fera!
I en veure’m tan fotut
em va dir molt planera:
-Xicot, per què tremoles?
Jo no te’n menjaré.
-I doncs, per què t’escapes
del lloc que tens marcat?
-Vull parlar amb l’Alcalde
i dir-li que tinc fam,
que la gàbia és petita,
jo necessite espai.
Els guàrdies que la veuen
la volen atacar,
la fera es defensa,
no la deixen parlar.
Com són molts i ella és sola,
no pot i me l’estoven.
I emprenyats per la feina,
a la gàbia me la tornen.
Per ordre de l’Alcalde
es fa saber tothom
que la fera ferotge
ja no ens treurà la son.
I gràcies a la força
no ha passat res de nou,
tot és normal i “maco”
i el poble resta en pau.

GRÀCIES OVIDI !!!
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CASI ME MATO – BARON ROJO

 Un día de tanto me sentí muy mal
y decidí que me iba a suicidad
Iba como loco
iba como loco
Bajo las ruedas me quise tirar
y el metro no acababa de llegar
Iba como loco
iba como loco
Pero un colega tocaba un rock
y aquel mal rollo se me pasó
Casi me mato “babe”
Casi me mato “babe”
Cogí mi bólido y lo puse a cien
un kamikace yo quería ser
Iba como loco
iba como loco
el ocho y medio no tiraba mas
y se empezó a desarmar
Iba como loco
iba como loco
y para colmo recordé
que había un concierto
y ya eran las diez
Casi me mato “babe”
casi me mato “babe”
De vuelta a casa vi la solución
lo mas seguro es la televisión
Iba como loco
iba como loco
con una dosis de publicidad
es suficiente para palmar
Iba como loco
iba como loco
pero confieso que desistí
lo del suicidio no era para mi
Casi me mato “babe”
casi me mato “babe”. 

 Barón Rojo el mejor grupo heavy que a salido de la península ibérica (eso dicen los entendidos), pues este grupo no podía faltar en Taxis Anarquía, además de que  Este próximo 11 de febrero esta mítica banda “Barón Rojo” estarán en barcelona en concierto una vez mas en el Sant Jordi Club, larga vida al barón.

 La historia de Barón Rojo se inicia hace más de veinticinco años, allá por 1980. Los hermanos Carlos y Armando de Castro, ampliamente decepcionados por el cariz comercial que iba adquiriendo su banda Coz, deciden romper sus cadenas y concentrarse en un proyecto auténtico y netamente rockero. Junto a sus propias guitarras, encuentran en José Luis Campuzano (Sherpa) y Hermes Calabria a su bajista y batería ideales. Con los cuatro se conformará la inicial, la original, la amargamente llorada escuadra del BARÓN ROJO.El comienzo del grupo es apoteósico. Respaldadas por una sólida cobertura instrumental, las voces de Carlos y Sherpa cautivan pronto a centenares de jóvenes, ávidos de rock duro y honesto; la garra y rabia del primero se conjuntan a la perfección con la profundidad y melodía del segundo. Pronto su primer álbum “Larga vida al rock and roll ” sale a la calle y encumbra temas como “Con botas sucias” , “El pobre” o la misma “Barón Rojo” . Ha nacido una leyenda.Su segundo trabajo tiene más éxito aún que el anterior. “Volumen Brutal” significa la confirmación absoluta de la valía y el compromiso de la banda, atributos que les reportan un éxito masivo no sólo a nivel nacional sino fuera de nuestras fronteras: su participación en el Reading o en el festival de Brujas darán fe de ello. Nuevas canciones quedarán para la memoria colectiva y el corazón de heavies y neófitos por igual: “Concierto para ellos” , “Resistiré” , “Las flores del mal” …

 Continúan los buenos tiempos para los Barones con un álbum en estudio, “Metalmorfosis” y uno en directo, “Barón al Rojo Vivo” . Por una vez, España no ha llegado tarde a la cita musical y cuenta con sus propias bandas para hollar el mismo terreno que los Iron Maiden, Saxon, Scorpions y compañía. Grupos como Obús y Panzer se unen a nuestros protagonistas para enarbolar la bandera del rock.

 Todavía surgirán grandes temas ( “Breakthoven” , “Cuerdas de acero” ) y un buen disco como “En un lugar de la marcha” antes de que dé comienzo la inexplicable y triste decadencia. De repente, todo empieza a salir mal. A pesar de que “Tierra de Nadie” es probablemente uno de sus mejores discos y con la producción más esmerada hasta la fecha, el público no lo acaba de encajar. Por otro lado, su discográfica se duerme en los laureles y se frustra lo que hubiera sido el salto definitivo: la conquista del mercado japonés.El Barón ya no levantará cabeza. A este álbum, magnífico pero incomprendido, siguen otros dos ( “No va más” y “Obstinato” ) que no cuentan ni con la calidad ni con el apoyo suficientes para devolverles a la posición que merecen. Las relaciones entre los hermanos de Castro y sus dos compañeros, siempre tensas, se quiebran finalmente y la banda se separa.Tras varios enfrentamientos legales, Carlos y Armando deciden continuar con el grupo, mas ya no es lo mismo.

  A un disco que alienta la esperanza, “Desafío” , le siguen propuestas cada vez más mediocres y alejadas de la inicial gloria del Barón. Por su parte, el Sherpa mantiene su silencio durante años hasta que opta por tragarse sus malos recuerdos y lanzar un buen disco en solitario, “Guerrero en el desierto” . En él, y en los directos, contará con su amigo y camarada Hermes Calabria.Así que ahí están los cuatro.

“Casi me mato” es la primera cancion de Metalmorfosis  el tercer disco de la banda Barón Rojo. Se publicó en 1983 y fue producido por Chapa Discos y Barón Rojo. Por problemas de espacio se quedaron fuera del disco los temas Invulnerable y Herencia letal, que fueron incluidos en un casete y en un single de regalo que se adjuntaba al LP. La portada fue diseñada por Ángel Ortiz, y el título puesto por Carolina Cortés.

Esta canción “Casi me Mato” que habla de un suicida de cuatro ruedas, dedicada a Alejandro secretario de cultura de CNT Barcelona, a Quique secretario de jurídica de CNT barcelona y al compañero taxista Manuel.

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SALUT Y BUEN VIAJE.

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NOCHE EN LA CIUDAD – BARRICADA

 Piso las rayas de la carretera
cruzando las calles sin miedo al andar
luces que se encienden, silueta que muere
el semáforo verde, ya puedes pasar
Los monstruos de hierro duermen aparcados
mañana el asfalto les oirá guerrear
ando vacilanteantes de llegar
no encuentro las llaves, maldito portal

Veo algún borracho riñéndole al suelo
prepara el bordillo para descansar

Farolas fundidas vigilan la calle
sus sombras gigantes parecen hablar
ando vacilante antes de llegar
no escuentro las llaves, maldito portal. 

 Barricada todo un gran grupo con 30 años de música a sus espaldas, uno de mis grupos preferidos que todavía siguen activos, aunque hace poco Enrique el Drogas hacia unas declaraciones en que afirmaba que abandonaba Barricada, una pena espero que se lo piense otra vez.

 Barricada es un grupo de rock de Pamplona del barrio de la Chantrea. A finales del 81 Enrique Villareal, el Drogas, tras su regreso de la mili, decide montar una banda de rock and roll. La banda se llamará Barricada. A principios del 82, el Drogas coincide con el guitarrista Francisco Javier Hernández, el Boni, y le propone el proyecto. Boni se apunta a la movida. En Mikel Astraín y en Sergio Osés encuentran un batería y un segundo guitarra para formar el grupo.
Semanas más tarde empiezan a actuar presentando sus canciones. Su primer disco se grabará en la compañía Soñúa bajo el nombre de “Noche de rock ad roll”. En el cuentan con la ayuda de Ramoncín y como lo definiría el Drogas: “el carajillo hecho disco”.
Boni, Drogas, Alfredo y Fernando Posteriormente Sergio marcha a la mili y para no frenar la trayectoria del grupo deciden sustituirle con Alfredo Piedrafita. En el 84 Barricada es elegido “Mejor grupo de Navarra” por los lectores del diario Egin. A las pocas semanas fallece Mikel de un derrame cerebral y es reemplazado por Fernando Coronado. En el concierto homenaje a Mikel, se presenta ante su publico la que será la formación definitiva.

Estudio de Soñúa En la grabación del siguiente disco, bajo el título de “Barrio Conflictivo”, contarán con la colaboración de Rosendo Mercado. La canción “Pon esa música de nuevo” es una dedicatoria al fallecido Mikel.
Para el tercer álbum fichan con la multinacional RCA y continúan contando con la producción de Rosendo. Aunque al principio iban a ser censuradas hasta ocho canciones al final el disco ve la luz al completo bajo el nombre “No hay tregua”.

Aperitivo Tras los desacuerdos con RCA deciden probar con la compañía Polygram. Así en el 87 sacan nuevo disco titulado “No se que hacer contigo” con la producción de Rosendo. A pesar los esfuerzos, la canción “Bahía de Pasaia” es censurada. En el 88 graban “Rojo” bajo la producción de Dennis Herman. Este es el álbum más valorado por la crítica, en el que se encuentra una visión particular del amor “Animal caliente”. En el siguiente trabajo Polygram vuelve a censurar de nuevo otra canción: “En nombre de Dios” embestida a la religión y al Opus Dei. El disco sale al final con el título “Pasión por el ruido”. En el 90 graban lo que será su doble directo “Barricada”, con el que consiguen disco de oro y 3000 copias del video vendidas. Pese a la disconformidad del grupo se edita un recopilatorio de su primera etapa con la compañía Soñúa “Barricada 83-85”. Con el éxito a sus espaldas en el 91 sacan el siguiente disco titulado “Por instinto”. Este disco resulta ser excesivamente comercial lo que se ve reflejado en las ventas con disco de platino.

 Los Barri En el 92 reciben el premio de “La banda de rock más importante” por la emisora de radio “Los 40 …”. El nuevo trabajo “Balas Blancas” llegará a ser disco de platino. En el 94 saldrá a la luz nuevo disco con el titulo “La Araña”. En el verano del 95 se edita “Los singles” en el que se incluye los temas censurados anteriormente “Bahía de Pasaia” y “En nombre de Dios”, además de una versión acústica de “Pasión por el ruido”. En el año 96 se graba el último trabajo de los Barri en el estudio con el título de “Insolencia”. En este album se observa un nuevo cambio de rumbo del grupo. Barricada vuelve a reaperecer con una grabación en directo del que será el último disco hasta el día de hoy “Salud y rocanrol”. En el cuentan con la colaboración de Rosendo, Yosi de Los Suaves y Molly de Hamlet.

 En 1997 abandonan Polygram, publicando un disco llamado Salud y Rock&Roll. Se trata de un directo grabado ese mismo año en la Plaza de Toros de Pamplona, y cuenta con diversas colaboraciones.
En el año 2000 publican un trabajo que vuelve a su sonido más potente, pero evolucionado, Acción directa. Con este disco las ventas aumentan nuevamente, rozando el disco de oro, y Barricada se coloca otra vez en lo alto del panorama rock español. Este álbum fue publicado por la discográfica DRO East West, responsable de sus últimos trabajos.
En 2002 el grupo publica el disco Bésame. Después del lanzamiento de este disco, Fernando Coronado abandonó el grupo y fue sustituido por Ibon Sagarra, Ibi, que había sido compañero de Alfredo Piedrafita en In Vitro. Es así como se dio origen a la formación actual.
En 2003 salió al mercado el disco homenaje al grupo Un camino de piedras, formado por 13 temas de Barricada versionados por viejos amigos del rocanrol.
En junio de 2006 salió un nuevo disco doble en directo, grabado el 16 de diciembre de 2005, en el Pabellón Anaitasuna de Pamplona y el 24 de febrero de 2006 en el Teatro Gayarre de Pamplona, este último en formato acústico acompañados de tres coristas, un saxofonista, un teclado y una armónica.
A finales de 2009 sacaron su álbum La tierra está sorda, basado en la Guerra Civil Española. Villarreal, conmocionado tras la lectura de La voz dormida de Dulce Chacón y movido por su ignorancia sobre la guerra, comenzó a investigar, leyendo multitud de libros, viendo documentales y, sobre todo, entrevistándose con supervivientes del bando perdedor y familiares de las víctimas. El resultado fue un álbum compuesto por un CD con 18 canciones y un libro dónde se explica la historia real que hay detrás de cada una de ellas, y en el que colaboran historiadores como Julián Casanova y Daniel Sancet Cueto (escritor, historiador y cantante de Insolenzia), entre otros.

“Noche en la Ciudad” es una canción del segundo disco de Barricada “Barrio Conflictivo” editado por Oihuka en 1984. En esta canción hablan del mobiliario urbano de una ciudad semáforos, monstruos de hierro que duermen aparcados y asfalto con lineas blancas, un lenguaje familiar para cualquier taxista. Un gran disco para volver a escuchar otra vez.

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SALUT Y BUEN VIAJE.

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DE JAMAICA A ROMA (VIA BUDAPEST) – SKATALÀ

 Bitllet de tornada o bé un visat,O tot just el carnet d’identitat.
Rastafarisme, Solidarnorsc,
Veient al Papa i tots tocant el dos.
Fumant Sinsemilla a l’Europa de l’Est,
A Itàlia i a l’illa sense fumar res.
Toots & The Maytals fotent-se una pizza
I jo gaudint de la Perestroika.
No estava gens clar si un dia arribaria
Fins a Montego Bay.
El que ningú es pensava és que acabaria
Anant a Roma via Budapest.
Ska a Kingston i enmig de Firenze,
També darrera del Teló d’Acer.
Un munt de palmeres, el bus a tres peles,
Un país tot ple de cridaners.
Rom de Jamaica i wodka rus,
Birra Peroni no és pas del meu gust.
En Marcus Garvey i en Gorbatxev,
La Cicciolina fotent-se en top-less.
No estava gens clar si un dia arribaria
Fins a Montego Bay.
El que ningú es pensava és que acabaria
Anant a Roma via Budapest.

 La primera vegada que vaig veure Skatalà va ser per l’any 1993-1994 a Sant Andreu, i el concert va ser al centre urbà de les arts il’espectacle (ara és un cinema). L’entrada costava 900 peles com es pot veure a l’entrada (que esta feta pols), el concert  constava de dues parts, en la primera eren cançons bàsicament de ska i reggae, on férem una versió molt bona dels Specials (concrete jungle ), i la segona part desapareixia la secció de vents, i es passava a cançons de oi futbol i cervesa del repertori més punk-oi de Skatalà. Recordo que estava ple de skins (normal en un concert de ska) alguns eren difícils de catalogar, molt arrogants en grups, durant el concert hi va haver algunes baralles entre punks i skins. Aquesta era la primera vegada que veia a Skatalà, encara que ja feia temps que els escoltava.

 L’estiu del 85, sis amics es reuneixen en un local d’assaig per rememorar els sons que van fer que Londres tremolés a finals dels 70 i principis dels 80: la música punk en la seva versió més autèntica (Oi! Music) i el ska jamaicà ressuscitat pels grups del segell Two Tone (Specials, Madness, The Beat ,…). Naixia així Skatalà, la llegendària banda que es convertiria en una referència mítica en l’escena ska espanyola. L’elecció del nom va ser el producte de l’aplicació de complexes fórmules matemàtiques: ska + català = skacatalà.

La seva música va ser des del principi un combinat elaborat a base d’alternar i fusionar ska i Oi!, Explosiva barreja que els va caracteritzar, encara que amb el transcurs del temps va anar prenent més rellevància l’ska, degut entre altres coses a la consolidació de la secció de saxos ia la plaça fixa indiscutible ocupada pel teclista.

Com la majoria de bandes amb una àmplia trajectòria, Skatalà va patir diversos canvis des de la seva formació inicial, però més enllà dels motius que van poder haver provocat aquests canvis, cal destacar el fructíferes que van resultar algunes d’aquestes escissions, ja que membres fundadors d’Skatalà van ser el germen d’altres bandes de Barcelona com Tension Friends, Front Pilsen, knockouts o Dr.Calypso.

 El 1987 graven la seva primera maqueta que portava per títol ‘Fent D’aquí’ i que va ser tot un èxit per a la banda, tant per l’acollida de l’audiència com pel nivell de vendes. Aquella maqueta, que va representar el naixement de l’ska cantat en català, va ser reeditada en vinil el 1991 pel segell Sock It Records del skazine FBI i distribuïda per Semaphore, convertint-se en el primer llarga durada oficial de la banda. Quinze després de la seva primera edició, encara es venien còpies pirates de la cinta original. Els temes eren ‘Intro’, ‘Llunàtics’, ‘Suant la panxa’, ‘Ets un barat’, ‘Bolinga’, ‘Per el legal’, ‘Embolingats’, ‘Fem d’aquí’, ‘Sense cervesa no hi ha revolució ‘,’ Killer ‘, i’ Boski ‘.

Aquella banda va estar tres anys oferint nombrosos concerts per Catalunya i visitant Euskadi i França. Això els va portar a ser seleccionats pel segell britànic Unicorn Records per aparèixer al disc ‘Planet Ska’, la primera recopilació mundial de grups d’ska, al costat de bandes d’USA, Europa i Austràlia.

Després d’un període (1989-90) d’impasse, en el qual la banda es disgrega en diferents formacions amb la consegüent etapa de consolidació d’un nou grup, comencen de nou el seu camí pels escenaris amb més força que mai. Tot això sorgeix arran de la publicació de la primera recopilació de grups d’ska de l’Estat, Latin Ska Festa ‘, en què s’inclou a Skatalà com a precursor de l’ska a Espanya i com a pare indiscutible de la resta de les bandes participants.
De l’estil classe obrera que els va caracteritzar en els seus principis, la nova formació passa a un so power-ska de molta més qualitat encara que sense perdre per això les seves arrels de jovialitat tavernària ni la poderosa contundència de les seves actuacions en directe. Això comença a despertar l’interès de les discogràfiques catalanes i finalment, el març de 1993, signen un contracte amb Al.leluia Records i Capità Swing, el primer fruit va ser la publicació del que seria el segon LP i primer CD oficial de la banda, ‘Borinot Borinot’. Les cançons d’aquest primer treball van ser ‘De Jamaica a Roma (via Budapest)’, ‘Waltzing Mathilda’, ‘El tio Manel’, ‘Reggae’n’ska’, ‘Skatalàhits’, ‘Rastablanc’, ‘Oh! vell Barrabàs ‘,’ Skandol dub ‘,’ Pixantó lo Blanc ‘i’ Rànquing roure ‘. En aquest moment només es mantenen dos dels components originals, Pitu i Quique. La resta de la formació la completaven Iñaki (baix), Javi Peña (bateria), J. Xungú (guitarra), J. Maniac (guitarra), J. Prats (saxo alt) i N. Romero (saxo tenor i baríton).

 Comencen així un ascens imparable que els porta a ser sol · licitats pels festivals més prestigiosos de l’Estat: Reggus de Reus, U-Zona Reggae de Torelló, BAM de Barcelona, ​​Mercat de la Música Viva de Vic, Espàrrec Rock de Granada, el fallit Festival Pop-Rock Non-Stop de Barcelona o el Doctor Music Festival dels Pirineus, havent participat en més d’una ocasió en algun d’ells. De la mateixa manera, les seves aparicions en televisió passen de les emissions locals dels seus principis a les cadenes autonòmiques i estatals amb la seva participació a l’Sputnik del C33, Zona Franca de la 2 oa la Marató de TV3.
Tot això els puja al més alt de l’escena skatalítica, en la qual es van mantenir fins al 1997, després de l’edició el 1994 del seu segon CD, ‘Un de Nou’, anant de gira per Itàlia (Pàdua, Milà i Bolonya), actuant a París i veient publicades les seves cançons en diverses recopilacions mundials editades per Moon Records (USA), Heatwave (Alemanya) o Gridalo Forte (Itàlia), convertint-se així a la banda de ska espanyola més internacional d’aquell moment, arribant fins i tot a distribuir els seus discos al mateix mercat japonès. ‘Un de nou’, editat per Al-leluia Records / Capità Swing portava els temes ‘P-IAIO Bugia’, ‘Blind man’, ‘Dibuix d’una nova era’, ‘El pistolete de l’Escala’, ‘Embolingats ‘, Guarrindong (war in dung)’, ‘El capità swing’, ‘El secret del bicorne’, ‘Monigote’, ‘Ara no és temps’ i ‘fa pudor a Pest’. Per a aquest disc es manté intacta la formació de l’anterior i s’afegeix el músic J. Díaz (teclats), al costat de la col · laboració de C. Trindade (percussió).

 El juliol del 97, Quique abandona la seva plaça com a segon cantant de la banda. Després de la gira de l’estiu d’aquest any, el teclista Joan Diaz i els saxos Jordi Prats i Guim Garcia (que havia substituït Nacho Romero aquell mateix any) decideixen també seguir el seu camí. Finalment, a inicis de 1998, la resta de la banda deixa els assajos i cancel · la totes les seves actuacions. Des d’aleshores, Skatalà no va tornar a aparèixer sobre un escenari, confirmant definitivament els rumors sobre la seva desintegració.

 A mitjan aquest mateix any, el segell Baobab Música d’Al · leluia Records editava ‘In Concerto’, el quart disc oficial de la banda. Es tractava d’un enregistrament “pirata” realitzada quatre anys abans a Pàdua, durant la seva gira per Itàlia. A finals de 2001, el segell Subway va reeditar la maqueta ‘Fent D’aquí’, aquesta vegada en format CD i afegint quatre temes gravats en directe en una de les primeres actuacions de la banda. Posteriorment Tralla Records va adquirir els drets del ‘In Concerto’, reeditat en 2002.
 El 2005, es reuneixen de nou per celebrar el 20è aniversari de la seva formació amb una mini gira per Catalunya. Al mateix temps s’edita a través de Skam Records, ‘Llunàtics’, un CD que conté els temes del “Borinot Borinot” i “Un De Nou” i també apareixen al recopilatori oficial del FC Barcelona ‘Més Que Un Club’ amb el seu emblemàtic “Fem D’aquí”.

 La cançó de Jamaica a Roma (via budapest) és del segon lp de Skatalà, publicat l’any 1993. En aquesta cançó aquests skatalítics de barna parlen de viatjar de Jamaika a roma via budapest en autobús passant per gairebé tota Europa i el bus a tres peles. Un gran disc per tornar a escoltar.

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SALUT I BON VIATGE.


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HIGHWAY TO HELL – AC/DC

Vivo tranquilamente, vivo con libertad.
Abono en un viaje de ida.
No pido nada, dejame en paz.
Me lo tomo todo con calma.
No necesito una razón, no necesito una lógica.
No hay otra cosa que prefiera hacer.
En marcha, hora de divertirse.
Mis amigos irán también.

Estoy en la autopista al infierno.

No hay señales de stop, ni limite de velocidad.
Nadie me frenara.
Como una rueda voy a hacerlo girar.
Nadie me va a enredar.
Eh, Satán, he saldado mis deudas
tocando en una banda de rock.
Muñeca, mirame,
voy camino hacia la tierra Prometida.

Estoy en la autopista al infierno.

No me pares.

Y voy a recorrerla hasta el final.

Estoy en la autopista al infierno.

 El Heavy nunca ha sido mi fuerte (aunque e tenido y tengo muchos amigos Heavys),  esta canción no podía faltar en este blog, “Highway to hell”, autopista al infierno, como dice la canción a quien no le gustaría conducir por una carretera al infierno sin señales, sin stop, sin limite de velocidad, sin taximetro, sin niñatos que piden musica máquina..?

AC/DC es un grupo australiano de heavy metal formado en la ciudad de Sídney en 1973 por los hermanos de origen escocés Malcolm y Angus Young.

Su primer concierto se llevó a cabo la noche de fin de año de 1973, coincidiendo con el lanzamiento de su sencillo Can I Sit Next to You Girl, cuyo cantante era Dave Evans.

Desde el principio se hicieron famosas sus actuaciones en directo, gracias en parte al extravagante estilo de su guitarrista principal, Angus Young, generalmente vestido con uniforme de colegial en los conciertos. En 1976, coincidiendo con el lanzamiento del disco Dirty Deeds Done Dirt Cheap, se trasladaron al Reino Unido, de donde procedían los hermanos Young, concretamente de ascendencia escocesa, e inmediatamente ocuparon los primeros puestos de ventas con discos como Let There Be Rock (1977) y Powerage (1978), a los que siguieron If You Want Blood You’ve Got It (1978) y el disco Highway to Hell (1979), del que se vendieron millones de copias.2 El 19 de febrero de 1980, el vocalista Bon Scott falleció por intoxicación etílica en el asiento trasero del coche de su amigo Alistair Kinnear y fue sustituido por Brian Johnson, quien pertenecía al grupo Geordie.

Aunque llegaron a Gran Bretaña en pleno auge del punk rock, en poco tiempo obtuvieron una enorme aceptación del público. El álbum Back in Black (1980) alcanzó el primer lugar en la lista de los discos más vendidos del país y los catapultó a Estados Unidos. En la segunda mitad de la década de 1980, una serie de acontecimientos personales hicieron creer que el grupo ya había pasado sus mejores momentos, aunque sus discos se mantuvieron en las listas de éxitos hasta la década de 1990. En 1993, el sencillo “Big Gun”, que utilizaron para la banda sonora de la película El último gran héroe,  alcanzó de nuevo las listas de los más vendidos en Gran Bretaña. En 1995, grabaron el disco Ballbreaker,en el 2000 lanzaron Stiff Upper Lip, en el que proclaman su fidelidad al rock más rebelde, y en el 2008 lanzaron Black Ice.

 Highway to Hell es el sexto álbum de estudio de la banda de hard rock australiana AC/DC que salió a la venta en 1979. También es el quinto álbum de estudio internacional de la banda y todas sus canciones fueron escritas por Angus Young, Malcolm Young, y Bon Scott.

Se consideró el álbum más popular de la banda hasta el momento, y ayudó a incrementar la popularidad de ésta considerablemente, posicionándola para el éxito de su álbum Back In Black el año siguiente. Fue el último álbum grabado con el vocalista Bon Scott antes de que este muriese en febrero de 1980.

Highway To Hell fue el primer álbum de AC/DC que no fue producido por Harry Vanda y George Young.

En Australia, salió a la venta con una cubierta ligeramente diferente. A diferencia de la internacional, tenía llamas en la guitarra. En Alemania del Este se cambiaron los diseños de las carátulas debido a un descontento de las autoridades ya que la imagen de la portada era las de los miembros de la banda envueltos en llamas.

 La canción y el título del álbum fue inspirado supuestamente en la ocasión en que un reportero preguntó a Angus Young si podía describir cómo era la vida al estar constantemente en gira. Angus contestó que era “A fucking highway to hell” (literalmente “una jodida autopista al infierno”) y de ahí quedó el nombre.
 Con títulos como éste, llegaron a existir rumores acerca de los miembros de la banda, siendo para éstos una especie de admiradores o adoradores de Satán, además de la portada del álbum mostrando a Angus Young con cuernos de demonio y una cola sirvieron para generar controversia aunque la banda ha negado tener nada que ver con la práctica del satanismo.
 El origen del título es más probable por parte del vocalista principal, Bon Scott quien provenía de Perth, Australia. La taberna habitual de Scott estaba en Canning Highway al pie de una muy inclinada colina, en una intersección que vio tantos choques que la carretera empezó a ser conocida como “La Autopista al Infierno”.
 Bon Scott sería encontrado muerto en el asiento trasero del automóvil de un amigo sólo seis meses después. El éxito de Highway to Hell, tanto la canción como el álbum pusieron a AC/DC en el camino para grabar un año después Back in Black, su más famosa producción y un tributo para Bon Scott, uno de los álbumes mas vendidos de la historia de la música.

 

SALUT Y BUEN VIAJE.

 

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THE CALL UP (TALKING TO ME VERSION MIX) – THE CLASH

para no escuchar la llamada a filas
No quiero matar!

Porque el que va a morir
Su héroe muerto


Hay una rosa que yo quiero vivir para
Si bien, Dios sabe que no puede haber cumplido su
No es un baile y yo estar con ella
Hay un pueblo – a diferencia de cualquier otro

Depende de usted para no oír la llamada a filas
“Nnnn” no debe actuar de la forma en que fueron criados
żQuién le da el trabajo de un “żpor qué debería hacerlo?
Cincuenta y cinco minutos después de las once

No es una rosa …

Hup 2 3 4 Me encanta la Infantería de Marina!
Hup 2 3 4 Me encanta la Infantería de Marina!
Hup 2 3 4 Me encanta la Infantería de Marina!
Si …

Depende de usted para no oír la llamada a filas
Depende de usted para no oír la llamada a filas
No quiero morir!
No quiero morir!

Hay una rosa que yo quiero vivir para
Todo depende de que no prestar atención a la llamada a filas

(Sotto voce) Para la cara derecha! (Grita)
Hup Hup 2 3 4 2 3 4 Hup 2 3 4 (se desvanece) Hup 2 3 4

Todo depende de que no prestar atención a la llamada a filas
Usted no debe actuar de la forma en que fueron criados
żQuién sabe las razones por las que han crecido?
żQuién conoce los planes o por qué se han elaborado?

Todo depende de que no prestar atención a la llamada a filas
No quiero morir!
Todo depende de que no prestar atención a la llamada a filas
No quiero matar!

Porque el que va a morir
Su héroe muerto

Tal vez quiero ver los campos de trigo
Más de Kiev y hasta el mar (coro)

Depende de usted para no oír la llamada a filas
No quiero morir!
Depende de usted para no oír la llamada a filas
No quiero matar!

Todos los jóvenes de las edades
Ellos marcharon con mucho gusto … a morir
Orgullosos padres de la ciudad utiliza para verlos
Lágrimas en los ojos

Todo depende de que no prestar atención a la llamada a filas
No quiero morir!

Otra vez Taxi Driver y otra vez The Clash, que se pude decir de este grupo que ya no se haya dicho?. Icono para bandas como Kortatu, Mano Negra o loquillo, como hubiera sido la historia de la música y del rock sin The Clash? (no lo quiero ni pensar), el enorme legado que nos ha dejado esta banda es incalculable. Para mi un humilde taxista The Clash es lo máximo, The Clash era el sol y nunca volvera a salir, nunca habra otro grupo como ellos Freedom Fighters.

Grupos que alguna vez fueron la representación de la energía joven y de la rebeldía se habían convertido en la nueva aristocracia del rock, tocando en estadios, escribiendo óperas del rock y saliendo de sus mansiones con el álbum listo. El vacío que dejaron fue llenado con algo que tenía aún menos que ver con el espíritu original del Rock & Roll: El complejo, pseudo intelectual y casi sinfónico rock progresivo.
El rock necesitaba un toque de realidad, y lo tuvo en 1976 cuando la escena punk estalló en Inglaterra. En la vanguardia estaban The Clash y los Sex Pistols, dos bandas londinenses influenciadas por MC5, The Stooges, la actividad militante del reggae (traída hasta el oeste de Londres a través de los inmigrantes) y las clásicas bandas del rock británico de la década anterior que canalizaron la ira y la frustración en las calles de los tristes mediados de los ’70 británicos en un nuevo, cauterizante y “anti-establishment” Rock & Roll. Su música encendió la antorcha de una revolución que eventualmente alcanzaría cada rincón del globo, y que tendría fuertes ecos en el rock de estos días.
En cuanto a los Pistols, nunca trascendieron de sus raíces punk, separándose a las 18 meses de haber llegado en el estrellato, pero The Clash provocó “una revolución musical sin precedentes” y llevó su espíritu revolucionario de los primeros días a través de una década de hacer música que ampliaría su espectro hacia el reggae, el ska, el Dub, el soul, el jazz, el rap y el funk.  The Clash fue una de las bandas más importantes que alguna vez hubo.

Formados en mayo de 1976, The Clash hizo su debut tres meses más tarde frente a una audiencia invitada a su sala de ensayo, un galpón en las vías del tren en Camden Town. El grupo estaba compuesto por Joe Strummer (voz/ guitarra), Mick Jones (guitarra/ voz), Paul Simonon (bajo/ voz) y Terry Chimes (batería). Mick y Paul eran dos expulsados de una escuela de arte y reclutaron a Joe, que tocaba en la banda de pub Rock The 101’ers, después de ser sorprendidos por la gran carisma que tenía en el escenario y su presencia fuera de este. Con el aliento de su manager Bernie Rhodes (antes socio del manager de los Sex Pistols Malcolm Mclaren), empezaron a componer canciones que tendrían la típica velocidad y la conciencia social del punk: “White Riot” (inspirada en la participación de Joe y Paul en la marcha del Carnaval de Notting Hill, el festival anual de los afro-caribeños en Inglaterra, que terminó en disturbios entre los manifestantes y la policía), “Janie Jones”, “Garageland” y “Carreer Opportunities”. Aficionados a la música de las Indias Occidentales que sonaban en los clubes under, The Clash se convirtió en el primer grupo punk en combinar el punk y el reggae, haciendo el cover “Police & Thieves” de Junior Marvin, un gran hit underground, en su primer álbum, llamado “The Clash”, lanzado a la venta en mayo de 1977. Para ese entonces Chimes había sido reemplazado por Nicky “Topper” Headon, que fue el mejor baterista que se presentó en las audiciones.

En 1978 el grupo emergió de un intenso período de composición y ensayo para tocar frente a 80.000 personas en el “Rock Against Racism” al este de Londres, en el Victoria Park. Estaban a punto de empezar a trabajar en su segundo álbum, “Give ’em Enough Rope”, grabado en 3 meses por el productor estadounidense Sandy Pearlman en Londres, San Francisco y Nueva York. El disco presentó un sonido más pesado y los temas de la banda se ampliaron: terrorismo internacional, sanguinarios regímenes políticos y visiones de una inminente guerra civil inglesa, suministrados por la intensa y profunda lírica de Strummer.
The Clash disfrutó su experiencia en Estados Unidos: La música, los personajes que allí se encontraron, los seguidores y las ferias americanas. En su retorno a Londres, empezaron a cultivar un look más al estilo del rock and roll clásico (con un toque punk, evidentemente), dejándose crecer el pelo y usando borceguíes con hebilla, idea que sacaron de Johnny Thunders. El trabajo comenzó cuando hicieron el cover de la canción “I Fought The Law”, de Sonny Curtis, que escucharon a través de una rocola en San Francisco. En febrero de 1979 se embarcaron en su primer tour estadounidense, una excursión de 6 fechas en la que los acompañó uno de sus héroes, Bo Diddley. La respuesta a sus apasionantes y energéticos shows fue fenomenal, lo que les hizo prometer que volverían y harían el “trabajo” correctamente.

Una vez allí el grupo empezó a ensayar con un nuevo propósito, este era el de traer del pasado la música que les gustaba desde su juventud, no solo el reggae y el rock sino también el ska, el rythm & blues, el rock and roll, el soul y el jazz. Los resultados, grabados en el verano de 1979 por el loco pero también querido productor Guy Stevens, fueron lanzados a la venta a fin de año (y a principios de 1980 en EE. UU.) como el álbum doble “London Calling”, una obra maestra la cual la Rolling Stone votaría como el mejor álbum de los años 80. Mientras tanto, la banda retornaba a suelo norteamericano, esta vez con un tour de 6 semanas, con el soporte de sus viejos héroes (Sam & Dave, Screamin’ Jay Hawkins) y también de los nuevos (el cantante country Joe Ely y The Cramps).
De gira, la banda seguía componiendo y grabando imperiosamente, entregando nuevo material en Nueva York, Jamaica y Londres, absorbiendo nuevas influencias todo el tiempo. Un torrente de canciones fluyó hacia afuera, con rap, funk, dub y muchos otros estilos que se agregaban al propio. Al final, había suficientes canciones como para llenar 3 discos de vinilo, los cuales la banda obligó a su compañía disquera a que se vendieran al precio de uno. Y así salió a la venta “Sandinista!” a fines de 1980.
Volviendo a 1978, la banda se había separado de Bernie Rhodes, pero el volátil manager fue traído de vuelta en 1981. En vez de re-embarcarlos en un nuevo y largo tour por EE. UU., arregló 12 fechas en el Bonds, en el Time’s Square, Nueva York. El departamento de bomberos y policía trato de cancelar los shows, debido a la gran cantidad de gente que se hizo presente. Pero se llegó a un acuerdo, y agregando mas fechas, The Clash pudo tocar.

La escena musical en Nueva York era en ese tiempo vibrante, el hip-hop y la música electrónica empezaban a aparecer, y un fuerte toque de funk y dance se vio en “Combat Rock”, lanzado en mayo de 1982. Pero en el momento de más auge, cuando se lanzaron los cortes “Rock The Casbah” y “Should I Stay Or Should I Go?”, que llegaron a los primeros 10 en EE. UU., Topper Headon es echado de la banda debido a su adicción a la heroína y su alcoholismo. Terry Chimes retorna brevemente a la banda para tocar en un tour con grandes shows, incluido el de Shea Stadium, en el cual telonearon a The Who.
Despues de 7 años los lazos que unían a los componentes de The Clash se rompieron y, en 1983, abandona al grupo. Eventualmente, la banda se disolvería 2 años más tarde. En 1991 alcanzarían un tardío puesto número 1 en el Reino Unido, cuando “Should I Stay Or Should I Go?” fue relanzado como single después de ser usado en un comercial de pantalones vaqueros.
Sin embargo, las ventas de discos y las posiciones alcanzadas en las listas nunca reflejarán la verdadera importancia de The Clash. Fueron mucho más que eso, una banda que prefirió tomar el camino difícil al fácil o al dinero. Es corriente escuchar a los fans de The Clash decir “este banda me cambió la vida”: ¿Cuántos grupos son capaces de adjudicarse eso? Nunca habrá otro grupo como ellos.


Sandinista! fue el cuarto álbum de la banda, y el de mayor variedad musical que estos lanzaron. El disco fue emitido en 1980 como un álbum triple con 36 temas, 6 de ellos en cada lado.

El álbum fue grabado durante 1980 en Londres, Manchester, Jamaica y Nueva York y fue producido por la propia banda, en esencia por Joe Strummer y Mick Jones. Las versiones dub de algunas canciones fueron realizadas por Mikey Dread, quien ya había colaborado con la banda en su sencillo “Bankrobber” de 1980.

Cuando la grabación comenzó en Nueva York el bajista Paul Simonon se encontraba ocupado grabando una película por lo cual fue reemplazado brevemente por el bajista de Ian Dury & the Blockheads, Norman Watt-Roy. Esto fue razón de conflicto cuando Watt-Roy y el tecladista Mickey Gallagher, su compañero en los Blockheads, reclamaron ser en parte responsables de la composición del tema “The Magnificent Seven”. Sumado a esto Dread se molestó por no haber sido acreditado como productor del álbum. Otros invitados en la grabación incluyeron al actor Tim Curry (que colaboró haciendo la voz de un cura en “The Sound of Sinners”), la cantante Ellen Foley (novia de Jones en esa época), el guitarrista de Richard Hell Iván Julián, y Tymon Dogg, amigo de Strummer, que tocó el violín, cantó y se le acredita el haber compuesto el tema “Lose This Skin”. Dogg luego se uniría a la banda de Strummer The Mescaleros. Los hijos de Mickey Gallagher también formaron parte de la grabación cantando juntos una versión alternativa de “Career Opportunities” del primer álbum de la banda, y su hija Maria cantando parte de “The Guns of Brixton”, de London Calling, al final del tema “Broadway”.

En Sandinista! por primera vez los créditos tradicionales atribuidos por la banda a la composición (Strummer/Jones) fueron reemplazados por The Clash. Este fue también el único álbum de la banda en el cual los cuatro miembros cantaron algún tema.

La canción “The Call Up” es una clara canción antimilitarista de este triple LP “Sandinista”, pero de esta canción se han echo otras versiones, como esta de la película “Taxi Driver” una versión Mix de la famosa frase “Talking to me”. En los vídeos de abajo se pueden apreciar las dos versiones de esta “Llamada a Filas”, canción dedicada a los chicos de marrón de Collserola.

DESCARGAR:
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SALUT Y BUEN VIAJE.

 

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