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GRANUJAS A TODO RITMO (THE BLUES BROTHERS)

Granujas a todo ritmo de 1980 se encuentra el salto a la gran pantalla de los Blues Brothers, el combo de outlaws del rhythm and blues creado por Dan Aykroyd y John Belushi en los días del Saturday Night Live, en el que John trabajó durante el período 1975-79.; dice la leyenda que surgió como un divertimento privado del dúo para relajarse y entretener al público en los cortes publicitarios, para luego convertirse en un exitoso sketch musical del programa. Finalmente llevaron sus alter ego de Jake y Elwood a la carretera, y a los estudios de grabación. Así que la película no podía hacerse esperar.

Buena música, coches, humor, caos y destrucción. Contando con algunos de los mejores músicos del ramo. Y ahí esta la fabulosa Blues Brothers Band: Steve Cropper, Donald “Duck” Dunn, Matt “Guitar” Murphy, Willie Hall... Con todos estos ingredientes y el genial de John Landis tras las cámaras el espectaculo estaba asegurado.

Bien, con Jake recién salido de la cárcel, él y su hermano Elwood hacen una visita a la monja que les educó en el hospicio donde se criaron, y donde se enteran de que debido a no poder afrontar unos impuestos la casa para huérfanos va a cerrarse. Tras ver la luz viendo a un predicador que se parece mucho a James Brown , Jake y Elwood deciden reclutar a su antigua banda para dar conciertos y reunir el dinero necesario para que no cierren el hospicio: cinco mil dólares. Por supuesto, en su camino para conseguirlo, el dúo molestará a policias, cowboys y nazis de Illinois, desatando la libertad musical a golpe de volante.

Grandes actuaciones musicales con autenticos genios como Aretha Franklin y su potentísima discusión con su marido ficticio Matt Murphy en forma de “Freedom”, John Lee Hooker y su “Boom Boom” seguida de una hilarante discusión con su banda sobre quién la compuso, Ray Charles imponiendo su ley en su tienda de instrumentos y haciendo bailar a la calle con “Shake Your Tailfeather”, Cab Calloway calmando a las fieras con su gran clásico “Minnie the Moocher”… grandes escenas todas. Más las actuaciones de los Blues Brothers, claro está, repartiendo soul y R&B, o repitiendo la sintonía de Rawhide para salir vivos de un antro de vaqueros cerveceros amantes del country. Granujas a todo ritmo tiene una de las bandas sonoras más potentes de la historia.

Granujas a todo ritmo es una película de culto para los amantes del volante y de la buena música, está protagonizado por dos grandes de la comedia norteamericana de la época en su mejor momento: el largamante añorado por muchos John Belushi (John Belushi murio dos años despues. La causa de muerte fue por drogarse con speedball, una inyección de cocaína y heroína) y Dan Aykroyd, otro gran tipo que junto a John conformaba una gran pareja de humoristas. Tenemos muchos rostros conocidos ejerciendo de secundarios o haciendo escenas. Por ejemplo, Carrie Fisher , con su divertido papel de la novia psicópata de Jake. O el mítico Frank Oz, que aparece al principio del film, con su inconfundible voz de Rana Gustavo (en la versión original, claro). También se dejan ver John Candy, Twiggy, Steven Spielberg , hasta un fugaz Joe Walsh, más varios secundarios de rostro familiar.

A todo el paquete John Landis añadió varias secuencias locas de persecuciones automovilísticas en la más pura tradición americana de los 70s, usando puentes levadizos, carreteras y autopistas, centros comerciales, y hasta unas oficinas en un centro administrativo; para obtener el permiso para rodar allí se rumorea que Landis recurrió a la Mafia. ¡Hasta decidieron soltar un coche desde el cielo! Desde luego Granujas a todo ritmo batió récords en cuanto a niveles de destrucción cinematográficos se refiere. El número de coches de policia aplastados es digno de toda una revuelta popular.

Los Blues Brothers sin duda se han convertido en héroes (o mejor dicho antihéroes) para varias generaciones, amantes de los coches y la música. Su indumentaria se inspira en una mezcla de “los rude boys” ingleses provenientes del ska de Jamaica. La banda sonora de la película de los Blues Brothers es la mejor de la historia del cine musical.

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PELICULA DEDICADA A LOS BLUES BROTHERS DEL TAXI DE BARCELONA, SALUT Y BUEN VIAJE.

SALUT Y BUEN VIAJE

THE BLUES BROTHERS IN WINTERLAND

SIGARRILLOS AMARIYOS – HERTZAINAK

Yo queria ser encargado.
Pero desde que nacemos
Todos somos hijos de puta por naturaleza
Fumando “peninsulares” me meti
En el vicio desde muy joven
Y seguí con “ideales” que venian
Con 18 cigarrillos amarillos en el paquete
Pero la vida sigue igual, como decía…
Shakespeare? No, el mamón de Julio Iglesias
Y hoy cualquier crio de 13 años
Se come un tripi, y enseguida
Todos sus compañeros de clase lo han probado
Ahí lo tienes, el txungo destino!
Mi primera borrachera, Pablo
Me la agarré en la boda de tus padres,
Donde fui monaguillo…
Tu no estabas hecho aun
Pero la vida sigue igual, como decía…
Shakespeare? No, el mamón de Julio Iglesias
Y hoy, 22 años, 9 meses
y un día después aquí estamos,
borrachos, celebrando tu cumpleaños.
Ahí lo tienes, el txungo destino!
Y si esta noche no me ves,
Estaré en la cama, o en la comisaria mas cercana
Estoy sin trabajo, y no me puedo quedar en Vitoria
Iré a Belorado, de Belorado a Málaga,
De Málaga a Ceuta y de Ceuta al Maco.
Txungo destino, destino txungo!

“Hertzainak” otro de mis grupos preferidos y que no puede faltar, grupo histórico uno de los precursores del llamado “Rock Vasco”, con el sobrenombre de los “Clash Vascos”. Hertzainak uno de los grupos más historicos ,rompedores en su tiempo,aceptados por el gran público años despues, polémicos, revolucionarios, controvertidos, ska, punk, rock, pop, todas las grandezas y miserias que una buena banda debe tener para ser uno de los grandes. Hertzainak lo fueron,lo siguen siendo y lo serán, con el paso del tiempo cada día más .Fueron grandes,arrasaron con su primera maketa, al poko tiempo el esperadisimo 1º lp.
Punkis,borrokas,libertarios,,hippis,etz,letras kontra todo kiski,incluso contra los fanáticos abertzales(drogas aekan).

Hertzainak debuta en la Nochevieja 1981-1982 en Vitoria-Gasteiz, Josu (batería), Tito (saxo), Kurro (batería), Gamma (voz), Delfo (guitarra) y Kike (guitarra) son los componentes de estos primeros Hertzainak. En la primavera de 1982 el grupo se consolida y empieza a tocar regularmente con Iosu, Tito, Gamma, Kike y un nuevo batería, Txanpi. Es ya en verano cuando Gamma, futuro cantante de M-ak deja el grupo y se incorpora Gari. Las actuaciones continúan y preparan lo que será su primera maqueta que se graba en IZ en la primavera de 1983. Canciones como “Kamarada”, “Pakean utzi arte”, “Miren modelo B”, etc. estaban ya en esta grabación que comercializan ellos mismos y se agota rápidamente entre sus seguidores.

La fama del grupo empieza ya a traspasar las fronteras alavesas. En enero de 1984 es elegido como mejor grupo de rock alavés por los lectores de Egin. Para entonces canciones como “Rock and roll batzokian” son ampliamente coreadas por la peña. Entran en contacto con Soñua que producirá su primer lp. En los meses de mayo y junio se graba en Tsunami de Donostia. En julio de este mismo año el disco sale a la calle y resulta un acontecimiento. Es uno de los discos más vendidos de 1984 y suena incesantemente en los bares, barracas y fiestas de pueblos. Ellos en una entrevista comentan: “Nuestro disco es una potorrada”. En el verano de 1985 a la vuelta de uno de los conciertos en directo Tito sufre un atropello que le deja fuera de circulación durante unos meses. El grupo pasa a ser cuarteto.

A finales de 1985 vuelven a entrar en Tsunami para grabar su segundo lp con el título “Hau dena aldatu nahi nuke” (Me gustaría cambiar todo esto). Problemas de todo tipo hacen que el lp no resulte tan atrayente como el primero. El disco sale en enero de 1986 y aunque el contenido es bueno, la crítica y el público no lo reciben demasiado bien. En la primera edición acompañan al disco dos singles de regalo con cuatro temas antiguos. A pesar de esto durante todo el año 1986 Hertzainak actúa por Euskal Herria con gran éxito. Comienzan tímidamente sus actuaciones por el Estado.

En el año 1987 y tras la crisis de Soñua deciden cambiar de casa de discos y fichan por Elkar en Lasarte. Cuando Gari va en moto camino del estudio para grabar la voz sufre un accidente y el disco se retrasa hasta la primavera de 1988. Es “Salda badago” (Hay caldo). Con este disco consiguen la confirmación de ser una de las bandas más importantes de Euskal Herria.

Tras una nueva gira por Suiza, Alemania e Irlanda a finales de 1988 vuelven a Euskal Herria para preparar con Oihuka un maxisingle anticipación de lo que en octubre será lp: ‘Denboraren Orratzak’ (92). Este lp será la última concesión musical de Hertzainak. Se disolvieron después de cinco apoteósicos conciertos , a lo largo de la geografía euskaldun.

Atrás han quedado tiempos rápidos y las movidas de juventud. Echando una retrospectiva a su discografía anotamos “Hertzainak”, “Hau dena aldatu nahi nuke”, “Salda badago”, “Aitormena” (maxi), “Amets prefabrikatuak”, “91 Zuzenean”, “Mundu berria dakargu” (maxi de Internacionalistas), “Onena” (recopilatorio), “Une etengabeak” (maxi) y al final las agujas nos han marcado el tiempo. Surcando estilos diferentes , Hertzainak han desarrollado un trabajo de cuasi-investigación a lo largo de su carrera musical, 10 largos años. Discos con sabores diferentes.

En este “Denboraren Orratzak” (Las agujas del tiempo) podemos adivinar el “I fought the law” de The Clash, una versión de “Larru beltzak”. Algún puntillo de reggae y rap meramente anecdótico en “Bihurtuko zara, txo!!”. El peso específico de Gari se deja sentir en este trabajo, sin dejar de lado el potencial de Josu Zabala. En cuanto a la temática, Itxaro Borda y el insumiso de Guadalajara J.V.Carrasco, raspean bien el devenir social.

‘Hertzainak’, es su primer larga duración del año 1984, obra maestra que descolla por encima del resto de su producción y por la que serán siempre venerados, aunaba el legado de los Clash más aperturistas con la pachanga y los avistamientos jamaicanos en forma de reggae sombrío o ese ska festero que les llevó a reivindicar una tropicalidad vasca de la que renegarían: «Jamás pretendimos crear movimientos alrededor de lo de Euskadi Tropical, ni suponíamos que la historia iba a calar a otros grupos que han adoptado esa onda. La canción ‘Arrautz bat pinu batean’ no era más que un chiste afortunado. Hicimos risas con ella y nos sigue gustando, la gente es la que ha hecho el resto».

Disco de punk avanzado, con hitos inolvidables como ‘Eh txo!’, ‘Pakean utzi arte’, ‘Ta zer ez da berdin’, ‘Si vis pacen, parabelum’ o el rotundo ‘Kontrola!’, temas estructurados sobre un entramado musical que arrancaba de la tradición del folk sinfónico euskaldun y se propulsada por la mala leche de Gari, que se desahoga contra todo, en una época aún más transicional que ésta. Sin embargo, como el punk rocker que se presumía, Gari se atrevía a repartir estopa por otros lados ahora tabú.

Por ejemplo, cantaba en ‘Drogak AEKn’: «¿Tengo que aprender bertsos y trikitixas? / ¿Debo esforzarme tanto para ser vasco? / Estoy mosqueado y quiero drogas en el AEK para estar ciego y no ver a los vascos». Bueno: Hertzainak tenían patente de folloneros: «Lo que pasa es que nosotros vamos de intentar tocar los huevos a cierta gente. Y, como nadie lo hace en euskera, pues nunca se dan por aludidos». La verda que es un disco totalmente redondo y hoy en dia todo un clasico, editado por SOÑUA en 1984 con un espectacular dibujo de MURILLO.

La divertida canción “Sigarrillos Amariyos” nos habla del destino “Txungo”, y nos invita a hacer un recorrido por Vitoria, belorado, Málaga y al Maco toda una aventura de la mano de este imprescindible grupo. TXUNGO! DESTINO TXUNGO..

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HERTZAINAK LA CONFESIÓN RADICAL (Pedro espinosa Elena López)

Partícipe de la tradición oral del punk, este libro traza la biografía de un grupo singular e irrepetible, no ya en el ámbito de la música vasca sino de toda la península Ibérica: Hertzainak. En sus páginas una orquesta polifónica de voces interpreta una larga pieza que no solo narra la historia del que fuera uno de los grupos de rock más célebres de los años ochenta y de los primeros que cantaron en euskera —lo cual ya es bastante—, sino que además dibuja el paisaje de una época que fue a la vez fascinante, fastidiosa y fecunda, y en la que surgió un movimiento musical y social que no tardó en ser etiquetado como Rock Radical Vasco.

Las radios libres, los fanzines, las fiestas alternativas, las procesiones ateas, etcétera, fueron algunas de las expresiones más visibles de una época tremendamente creativa que el Orden, con todas sus herramientas (policía, política, heroína), trató de desactivar. En esos años muchos grupos de música y algunos movimientos sociales se comprometieron a muerte con su tiempo, y dejaron un poso de rebeldía, de humor, de sonidos y de mala leche difícilmente repetible. Este libro es un testimonio vivo de todo aquello.

Pedro Espinosa (Vitoria-Gasteiz, 1956) y Elena López (Madrid, 1956) son periodistas y colaboradores habituales de la prensa escrita, la radio y la televisión. Fueron miembros —cantante y guitarrista— de la mítica banda de reggae Potato («¿Se entera o no se entera la clase obrera?»). Juntos escribieron Potato: la utopía de una Euskadi Tropikal (Aianai, 1998).

Pedro publicó sus experiencias en el Himalaya junto a Juanito Oiarzábal en Crónica de una cima radiofónica (EiTB, 2005) y, por su parte, Elena ha editado los libros Del txistu a la telecaster, crónica del rock vasco (Aianai, 1995) e Historia del rock vasco: edozein herriko jaixetan (Aianai, 2011).Ambos animan Ediciones Aianai.

La primera edición de este libro data de 1993, un año después de que se separara Hertzainak. Para esta nueva edición se han corregido algunos errores, se ha contado con la colaboración de otros protagonistas de la época y se han ampliado considerablemente algunas informaciones. Además, se han incluido nuevos materiales gráficos, se han revisado las traducciones al castellano de las letras de las principales canciones y Roberto Moso (Zarama) ha hecho un prólogo para la ocasión.

Han participado en la composición de este libro: Xabier Amuriza, Bernardo Atxaga, Ruper Ordorika, Juanma Bajo Ulloa, Karra Elejalde, Antonio Rivera, Marino Goñi, Santos Iñurrieta, Javier Olloki (Oki), Rafael Recio (Potxo), Gene, Jeni Prieto, Pollo, Curro, Evaristo, Charly, Rita Ni Mhuruchu, Carlos Pérez Uralde, Pablo Cabeza, Roberto Moso, Ernesto Murillo (Simónides), Alfredo, Sagrario Luna, Luz Elez, Martintxo, Jose Mari Goikoetxea, Julen Arregi, Kako Narbona, Bego Arrieta, Roge Blasco, Patas y Hermano, Natxo Cicatriz, Enrique Villarreal (El Drogas), Bingen Mendizabal, Eneka Aranzabal, Ritxi Aizpuru, Beltza, Jose Mari Bastida (Txapinete), Carlos (rip), Moncho Alpuente, Lola, Manolo Sáez, Joseba de Markina y Koldo Murua.

Además de los fotógrafos: Joseba Olalde, Julen Uribe, Luis Ziarrusta y Alex Larretxi.

Y por, por descontado, sus propios protagonistas: Josu, Gari, Tito, Txanpi y Kike.

Y se han sumado a la segunda edición: Txuma Murugarren, Rafa Rueda, Iker Barandiaran, Oscar Beorlegui, Anjel Valdés, Xarra Azkarate, Eriz Zapirain, Jakue Pascual, Petti, Tomás Glez Lezana, Jalas Ozaeta, Marc Benito, Zea Mays, Itxaro Borda, Kirmen Uribe, Fermin Muguruza, Juan Uriarte, Ander Ibañez, Angel Katarain, Iñaki Betagarri, Ángel Rockaína, Iñaki Zarata, Matxitxa, José Vicente Carrasco, Saltaplín, Javi Abal y Mixel Ducau.

AGUR HERTZAINAK, SALUT Y BUEN VIAJE.

pakean utzi arte (comandos autónomos anticapitalistas)

hertzainak azken kontzertua

THERE IS A LIGHT THAT NEVER GOES OUT – THE SMITHS

SÁCAME ESTA NOCHE
DONDE HAYA MÚSICA Y HAYA GENTE
QUE SEAN JÓVENES Y ESTÉN VIVOS
UNA VUELTA EN TU COCHE
NUNCA QUISIERA IR A CASA
PORQUE NO LA TENGO
¡NINGUNA!
SÁCAME ESTA NOCHE
PORQUE QUIERO VER LUCES Y QUIERO VER GENTE
DANDO UNA VUELTA EN TU COCHE
OH, POR FAVOR NO ME DEJES EN CASA
PORQUE NO ES MI CASA, ES SU CASA
Y NUNCA VOLVERÉ A SER BIENVENIDO
Y SI UN AUTOBÚS DE DOS PISOS
SE ESTRELLA CONTRA NOSOTROS
MORIR A TU LADO
QÚE FORMA DE MORIR TAN CELESTIAL
Y SI UN CAMIÓN DE DIEZ TONELADAS
NOS MATA A LOS DOS
YA VES, EL PLACER Y EL PRIVILEGIO SON SÓLO MÍOS
SÁCAME ESTA NOCHE
LLÉVAME ADÓNDE SEA, ME DA IGUAL,
NO ME IMPORTA
Y EN EL OSCURO TÚNEL SUBTERRÁNEO PENSÉ
OH DIOS MI OPORTUNIDAD POR FIN LLEGÓ
(PERO ENTONCES UN EXTRAÑO MIEDO ME PARALIZÓ
Y NO PUDE PEDIRLO)
SÁCAME ESTA NOCHE
LLÉVAME ADÓNDE SEA ME DA IGUAL,
NO IMPORTA
DANDO UNA VUELTA EN TU COCHE
NO, NO QUIERO VOLVER A CASA
PORQUE NO TENGO NINGUNA
¡NO TENGO NINGUNA!

The Smiths grupo imprescindible para cualquier taxista que le guste la música (hasta para el Fary). Para muchos son el grupo británico de rock alternativo más importante de finales del siglo XX (lo dice hasta Justo Molinero).

The Smiths fue un grupo de rock que se formó el año 1982 en Manchester, Inglaterra.The Smiths nació con la siguiente formación: Johnny Marr (guitarra, teclados, mandolina, bajo y armónica), Stephen Patrick Morrissey (voz y piano), Mike Joyce (batería y coros) y Andy Rourke (bajo y cello).
En 1983 The Smiths firman contrato con la discográfica Rough Trade Records y graban su primer sencillo “Hand in Glove”. Posteriormente lanzaron a las radios los temas “This Charming Man” y “What Difference Does It Make?”. De esta manera se fueron haciendo conocidos y en 1984 lanzan su álbum debut bajo el título de “The Smiths”. Con este LP consiguieron alcanzar el segundo puesto en las listas inglesas. Sin embargo la prensa los atacó duramente ya que, según ellos, canciones como “The Hand That Rocks The Cradle” y “Reel Around the Fountain” promovían la pedofilia.
En 1984 The Smiths publican el disco recopilatorio “Hatful of Hollow” que contenía sencillos de éxito y versiones de los temas que habían sido grabados especialmente para ser lanzados en la radio por el DJ John Peel.

Un año más tarde editan el LP “Meat Is Murder” (1985), el cual logró colocarse en la primera posición de las listas británicas. De este álcum se extraen temas como “The Headmaster Ritual” y “Barbarism Begins At Home”.

Por ese entonces también presentan el sencillo “How Soon Is Now?”, que se convirtió en todo un éxito en las emisoras.
Para promocionar su última producción, la banda se embarca en una gira por el Reino Unido y los Estados Unidos. Terminada la serie de conciertos, regresan a los estudios para darle vida al álbum “The Queen Is Dead” (1986). Sencillos como “Bigmouth Strikes Again”, “Never Had No One Ever” y “Frankly, Mr Shankly” se extrajeron de este álbum. El disco fue muy bien recibido tanto por el público (logró situarse en el segundo puesto de las listas de éxitos) como por la crítica, que consideró este su mejor obra como conjunto musical.

Poco tiempo después el bajista Rourke fue expulsado de la banda por sus problemas con la heroína y fue reemplazado en un primer momento por Craig Gannon. Pasadas algunas semanas Rourke se incorpora nuevamente al grupo y Gannon pasa a ubicarse como guitarrista.

Con esta nueva formación, The Smiths editaron los temas “Panic” y “Ask”. Pasado algún tiempo volvieron a emprender una nueva gira, esta vez tan solo por Inglaterra. Al finalizar los conciertos, Gannon abandona el grupo.

Un año después sale a la venta el LP recopilatorio “The World Won’t Listen” (1987), el cual volvió a situarse en el segundo puesto de las listas. También ese mismo año aparece otro disco recopilatorio bajo el título de “Louder Than Bombs” (1987). La diferencia entre uno y otro es que cada uno fue pensado para ser vendido en distintos lugares. Es decir que “The World Won’t Listen” salió a la venta en el Reino Unido mientras que “Louder Than Bombs” lo hizo en Estados Unidos.

Pasados algunos meses graban el disco “Strangeways, Here We Come” (1987), que se colocó en la segunda posición de las listas del Reino Unido.
Para ese entonces ya existían problemas internos dentro del conjunto. Morrissey y Marr tenían puntos de vista distintos y decidieron acabar con The Smiths.
En 1988 sale a la venta el disco en vivo “Rank”, y un año después se presentan dos álbumes recopilatorios en paralelo. Por un lado “Best…I” (1992), y por el otro “…Best II” (1992).

Tres años más tarde vuelve a salir al mercado una nueva recopilación de éxitos de The Smiths, esta vez denominada “Singles” (1995).
Tras la separación, Morrissey se lanzó como solista, mientras que Johnny Marr se unió a Bernard Sumner (de New Order) y Neil Tennant (de los Pet Shop Boys) para darle forma al grupo “Electronic”. Por su parte, Andy Rourke y Mike Joyce continuaron trabajando juntos al lado de Morrissey y otros artistas más.

En el 2005, el canal de televisión VH1 intentó reunir a la banda para un programa especial, pese a que los demás miembros estuvieron de acuerdo, Morrisey se negó.

En Noviembre de 2008 se publica “The Sound Of The Smiths”, un disco elaborado bajo la supervisión de Morrissey, que eligió el título, y Marr, que se ha hecho cargo de todo el proceso de masterización. El álbum contiene 45 canciones divididas en dos CDs. El primero de ellos incluye todos los singles del grupo y el segundo destapa el lado oculto de Smiths y contiene caras B y canciones inéditas.

Esta canción “There is a light that never goes out” coresponde al disco “The Queen Is Dead” tercer disco de The Smiths. Lanzado el 16 de Junio de 1986, este es sin dudar el mejor álbum de la banda, y asi mismo, un disco fundamental para entender la evolución del rock. Sin duda, el rock alternativo nace aqui, con estas 10 canciones, y sirvió de influencia para miles de bandas.
Es aqui donde la combinación Morrissey-Marr llega a su punto máximo de inspiración, logrando esta obra maestra revolucionaria llena de poesía y grandes temas. Para mi, se trata de uno de los mejores álbumes de los 80 sin dudar, La melancolía rodea el disco a todas sus anchas, y encontramos el dramatísmo de temas como Never Had No One Ever, la fuerza de The Queen Is Dead (Take Me Back To Dear Old Blighty) y Bigmouth Strikes Again, la serenidad de Cemetery Gates, el positivismo de The Boy With The Thorn In His Side, . Ninguna de las canciones defrauda, inclusive algunas más curiosas como Vicar In A Tutu. Para escuchar sin saltarte ninguna.
“There is a light that never goes out” es sin duda la mejor cancion, perfecta para escuchar conduciendo el taxi, y dejar volar la imaginación, sacame esta noche….

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SALUT Y BUEN VIAJE.

LA PRIMAVERA ESTÁ POR LLEGAR…Y YO, QUIERO VERTE DANZAR

Franco Battiato, lejos del coro de las sirenas

Franco Battiato, cantautor, compositor y agitador cultural, nació siciliano pero se formó en Milán la Roja, en aquellos años sesenta en que Italia entera y especialmente su norte hervía con una propuesta política en la que se aunaban un intenso color rojo con una fuerte impregnación democrática.

En esos años fecundos, la cultura italiana estaba marcada a fuego con el sello del compromiso entre los creadores y su tiempo pero no existían corsés que constriñeran el talento, y así fue como el joven Battiato fue experimentando diversos registros hasta llegar a dibujar una vía propia. Franco Battiato se consolida como un cantautor de vanguardia ampliamente reconocido con discos como “La era del jabalí blanco” (1979), su primer éxito de masas, pero ya desde finales de los sesenta era un creador apreciado y seguido que abría caminos en la renovación de la canción de autor italiana.

En sus temas de ésa época aunaba Franco Battiato el pop electrónico y la música culta con arriesgadas incursiones en las músicas étnicas, Más tarde, en los ochenta, a Battiato le clasifican como “minimalista”, la etiqueta de moda entonces, pero queda claro que su música es perfectamente inclasificable. Las letras del período clásico de Battiato son sorprendentemente frescas y a la vez complejas, y bucean con soltura y audacia en el patrimonio literario italiano clásico y contemporáneo, que reelabora a gusto propio hasta sintetizar versos con contenidos tan concretos, que suelen despistar a quien no tenga cierto conocimiento del universo cultural italiano. Difíciles de traducir, sus letras en castellano no siempre resultan inteligibles, y algunas traducciones cantadas por él mismo son francamente desafortunadas.

En los noventa Battiato rompe con EMI, su discográfica, y desaparece de la escena retirándose a rumiar proyectos, la mayoría de los cuales nunca verán la luz. Paradójicamente es ése exilio interior el que, en épocas de incertidumbre, acaba por convertirle en leyenda viviente para la izquierda italiana. Aparecen varios álbumes recopilatorios suyos, y en España se intensifica la venta de sus traducciones al castellano. Finalmente, y ya iniciado el siglo actual, Battiato reanuda su actividad y comienza a lanzar nuevas obras, que aunque limitadas en su eco debido a los cambios habidos en el mercado discográfico, muestran su interés por seguir explorando en el mundo de la música sin aceptar límites ni encasillamientos.

Sus letras son en ocasiones de una gran plasticidad, como en “Despertar en primavera”:La presencia de la artillería
en países meridionales
unidos en la lucha extranjera
bajo el reino de las Dos Sicilias.
Y los movimientos predecibles
de la tropa y falsas batallas,
olores de pólvora, de fuego
y voces del Estrecho de Mesina.Sentimiento oculto para mí.
Me enamoré siguiendo el ritmo del corazón
y me desperté en Primavera.

Otras bucean en la intimidad del alma humana, como en “Nómadas”:Nómadas que buscan los ángulos de la tranquilidad,en las nieblas del norte, en los tumultos civilizados,entre los claros oscuros y la monotonía de los días que pasan.

Caminante que vas buscando la paz en el crepúsculo
la encontrarás,
la encontrarás
al final de tu camino.

Y otras en fin toman clara postura política, como en “Bandiera bianca”, en que se enfrenta al fenómeno del terrorismo de Brigate Rosse durante los llamados Años de Plomo italianos:

En esta época de locos nos faltaban
los idiotas del horror.

He oído los disparos en una vía del centro.
Cuánta estúpida gallina, se pelean para nada.

Sul ponte sventola bandiera bianca,
sul ponte sventola bandiera bianca.

Siciliano, norteño, comunista, libertario, ateo, panteísta, clásico, vanguardista… A sus sesenta y dos años Franco Battiato sigue creando desde los presupuestos ideológicos y mentales que siempre defendió.

Con mi generación pasé el invierno (“Perspectiva Nevsky”) . Un largo invierno, sin duda.

SALUT I BON VIATGE

CASI ME MATO – BARON ROJO

Un día de tanto me sentí muy mal
y decidí que me iba a suicidad
Iba como loco
iba como loco
Bajo las ruedas me quise tirar
y el metro no acababa de llegar
Iba como loco
iba como loco
Pero un colega tocaba un rock
y aquel mal rollo se me pasó
Casi me mato “babe”
Casi me mato “babe”
Cogí mi bólido y lo puse a cien
un kamikace yo quería ser
Iba como loco
iba como loco
el ocho y medio no tiraba mas
y se empezó a desarmar
Iba como loco
iba como loco
y para colmo recordé
que había un concierto
y ya eran las diez
Casi me mato “babe”
casi me mato “babe”
De vuelta a casa vi la solución
lo mas seguro es la televisión
Iba como loco
iba como loco
con una dosis de publicidad
es suficiente para palmar
Iba como loco
iba como loco
pero confieso que desistí
lo del suicidio no era para mi
Casi me mato “babe”
casi me mato “babe”.

Barón Rojo el mejor grupo heavy que a salido de la península ibérica (eso dicen los entendidos), pues este grupo no podía faltar en Taxis Anarquía, además de que Este próximo 11 de febrero esta mítica banda “Barón Rojo” estarán en barcelona en concierto una vez mas en el Sant Jordi Club, larga vida al barón.

La historia de Barón Rojo se inicia hace más de veinticinco años, allá por 1980. Los hermanos Carlos y Armando de Castro, ampliamente decepcionados por el cariz comercial que iba adquiriendo su banda Coz, deciden romper sus cadenas y concentrarse en un proyecto auténtico y netamente rockero. Junto a sus propias guitarras, encuentran en José Luis Campuzano (Sherpa) y Hermes Calabria a su bajista y batería ideales. Con los cuatro se conformará la inicial, la original, la amargamente llorada escuadra del BARÓN ROJO.El comienzo del grupo es apoteósico. Respaldadas por una sólida cobertura instrumental, las voces de Carlos y Sherpa cautivan pronto a centenares de jóvenes, ávidos de rock duro y honesto; la garra y rabia del primero se conjuntan a la perfección con la profundidad y melodía del segundo. Pronto su primer álbum “Larga vida al rock and roll ” sale a la calle y encumbra temas como “Con botas sucias” , “El pobre” o la misma “Barón Rojo” . Ha nacido una leyenda.Su segundo trabajo tiene más éxito aún que el anterior. “Volumen Brutal” significa la confirmación absoluta de la valía y el compromiso de la banda, atributos que les reportan un éxito masivo no sólo a nivel nacional sino fuera de nuestras fronteras: su participación en el Reading o en el festival de Brujas darán fe de ello. Nuevas canciones quedarán para la memoria colectiva y el corazón de heavies y neófitos por igual: “Concierto para ellos” , “Resistiré” , “Las flores del mal” …

Continúan los buenos tiempos para los Barones con un álbum en estudio, “Metalmorfosis” y uno en directo, “Barón al Rojo Vivo” . Por una vez, España no ha llegado tarde a la cita musical y cuenta con sus propias bandas para hollar el mismo terreno que los Iron Maiden, Saxon, Scorpions y compañía. Grupos como Obús y Panzer se unen a nuestros protagonistas para enarbolar la bandera del rock.

Todavía surgirán grandes temas ( “Breakthoven” , “Cuerdas de acero” ) y un buen disco como “En un lugar de la marcha” antes de que dé comienzo la inexplicable y triste decadencia. De repente, todo empieza a salir mal. A pesar de que “Tierra de Nadie” es probablemente uno de sus mejores discos y con la producción más esmerada hasta la fecha, el público no lo acaba de encajar. Por otro lado, su discográfica se duerme en los laureles y se frustra lo que hubiera sido el salto definitivo: la conquista del mercado japonés.El Barón ya no levantará cabeza. A este álbum, magnífico pero incomprendido, siguen otros dos ( “No va más” y “Obstinato” ) que no cuentan ni con la calidad ni con el apoyo suficientes para devolverles a la posición que merecen. Las relaciones entre los hermanos de Castro y sus dos compañeros, siempre tensas, se quiebran finalmente y la banda se separa.Tras varios enfrentamientos legales, Carlos y Armando deciden continuar con el grupo, mas ya no es lo mismo.

A un disco que alienta la esperanza, “Desafío” , le siguen propuestas cada vez más mediocres y alejadas de la inicial gloria del Barón. Por su parte, el Sherpa mantiene su silencio durante años hasta que opta por tragarse sus malos recuerdos y lanzar un buen disco en solitario, “Guerrero en el desierto” . En él, y en los directos, contará con su amigo y camarada Hermes Calabria.Así que ahí están los cuatro.

“Casi me mato” es la primera cancion de Metalmorfosis el tercer disco de la banda Barón Rojo. Se publicó en 1983 y fue producido por Chapa Discos y Barón Rojo. Por problemas de espacio se quedaron fuera del disco los temas Invulnerable y Herencia letal, que fueron incluidos en un casete y en un single de regalo que se adjuntaba al LP. La portada fue diseñada por Ángel Ortiz, y el título puesto por Carolina Cortés.

Esta canción “Casi me Mato” que habla de un suicida de cuatro ruedas, dedicada a Alejandro secretario de cultura de CNT Barcelona, a Quique secretario de jurídica de CNT barcelona y al compañero taxista Manuel.

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SALUT Y BUEN VIAJE.

NOCHE EN LA CIUDAD – BARRICADA

Piso las rayas de la carretera
cruzando las calles sin miedo al andar
luces que se encienden, silueta que muere
el semáforo verde, ya puedes pasar
Los monstruos de hierro duermen aparcados
mañana el asfalto les oirá guerrear
ando vacilanteantes de llegar
no encuentro las llaves, maldito portal

Veo algún borracho riñéndole al suelo
prepara el bordillo para descansar

Farolas fundidas vigilan la calle
sus sombras gigantes parecen hablar
ando vacilante antes de llegar
no escuentro las llaves, maldito portal.

Barricada todo un gran grupo con 30 años de música a sus espaldas, uno de mis grupos preferidos que todavía siguen activos, aunque hace poco Enrique el Drogas hacia unas declaraciones en que afirmaba que abandonaba Barricada, una pena espero que se lo piense otra vez.

Barricada es un grupo de rock de Pamplona del barrio de la Chantrea. A finales del 81 Enrique Villareal, el Drogas, tras su regreso de la mili, decide montar una banda de rock and roll. La banda se llamará Barricada. A principios del 82, el Drogas coincide con el guitarrista Francisco Javier Hernández, el Boni, y le propone el proyecto. Boni se apunta a la movida. En Mikel Astraín y en Sergio Osés encuentran un batería y un segundo guitarra para formar el grupo.
Semanas más tarde empiezan a actuar presentando sus canciones. Su primer disco se grabará en la compañía Soñúa bajo el nombre de “Noche de rock ad roll”. En el cuentan con la ayuda de Ramoncín y como lo definiría el Drogas: “el carajillo hecho disco”.
Boni, Drogas, Alfredo y Fernando Posteriormente Sergio marcha a la mili y para no frenar la trayectoria del grupo deciden sustituirle con Alfredo Piedrafita. En el 84 Barricada es elegido “Mejor grupo de Navarra” por los lectores del diario Egin. A las pocas semanas fallece Mikel de un derrame cerebral y es reemplazado por Fernando Coronado. En el concierto homenaje a Mikel, se presenta ante su publico la que será la formación definitiva.
Estudio de Soñúa En la grabación del siguiente disco, bajo el título de “Barrio Conflictivo”, contarán con la colaboración de Rosendo Mercado. La canción “Pon esa música de nuevo” es una dedicatoria al fallecido Mikel.
Para el tercer álbum fichan con la multinacional RCA y continúan contando con la producción de Rosendo. Aunque al principio iban a ser censuradas hasta ocho canciones al final el disco ve la luz al completo bajo el nombre “No hay tregua”.

Aperitivo Tras los desacuerdos con RCA deciden probar con la compañía Polygram. Así en el 87 sacan nuevo disco titulado “No se que hacer contigo” con la producción de Rosendo. A pesar los esfuerzos, la canción “Bahía de Pasaia” es censurada. En el 88 graban “Rojo” bajo la producción de Dennis Herman. Este es el álbum más valorado por la crítica, en el que se encuentra una visión particular del amor “Animal caliente”. En el siguiente trabajo Polygram vuelve a censurar de nuevo otra canción: “En nombre de Dios” embestida a la religión y al Opus Dei. El disco sale al final con el título “Pasión por el ruido”. En el 90 graban lo que será su doble directo “Barricada”, con el que consiguen disco de oro y 3000 copias del video vendidas. Pese a la disconformidad del grupo se edita un recopilatorio de su primera etapa con la compañía Soñúa “Barricada 83-85”. Con el éxito a sus espaldas en el 91 sacan el siguiente disco titulado “Por instinto”. Este disco resulta ser excesivamente comercial lo que se ve reflejado en las ventas con disco de platino.

Los Barri En el 92 reciben el premio de “La banda de rock más importante” por la emisora de radio “Los 40 …”. El nuevo trabajo “Balas Blancas” llegará a ser disco de platino. En el 94 saldrá a la luz nuevo disco con el titulo “La Araña”. En el verano del 95 se edita “Los singles” en el que se incluye los temas censurados anteriormente “Bahía de Pasaia” y “En nombre de Dios”, además de una versión acústica de “Pasión por el ruido”. En el año 96 se graba el último trabajo de los Barri en el estudio con el título de “Insolencia”. En este album se observa un nuevo cambio de rumbo del grupo. Barricada vuelve a reaperecer con una grabación en directo del que será el último disco hasta el día de hoy “Salud y rocanrol”. En el cuentan con la colaboración de Rosendo, Yosi de Los Suaves y Molly de Hamlet.

En 1997 abandonan Polygram, publicando un disco llamado Salud y Rock&Roll. Se trata de un directo grabado ese mismo año en la Plaza de Toros de Pamplona, y cuenta con diversas colaboraciones.
En el año 2000 publican un trabajo que vuelve a su sonido más potente, pero evolucionado, Acción directa. Con este disco las ventas aumentan nuevamente, rozando el disco de oro, y Barricada se coloca otra vez en lo alto del panorama rock español. Este álbum fue publicado por la discográfica DRO East West, responsable de sus últimos trabajos.
En 2002 el grupo publica el disco Bésame. Después del lanzamiento de este disco, Fernando Coronado abandonó el grupo y fue sustituido por Ibon Sagarra, Ibi, que había sido compañero de Alfredo Piedrafita en In Vitro. Es así como se dio origen a la formación actual.
En 2003 salió al mercado el disco homenaje al grupo Un camino de piedras, formado por 13 temas de Barricada versionados por viejos amigos del rocanrol.
En junio de 2006 salió un nuevo disco doble en directo, grabado el 16 de diciembre de 2005, en el Pabellón Anaitasuna de Pamplona y el 24 de febrero de 2006 en el Teatro Gayarre de Pamplona, este último en formato acústico acompañados de tres coristas, un saxofonista, un teclado y una armónica.
A finales de 2009 sacaron su álbum La tierra está sorda, basado en la Guerra Civil Española. Villarreal, conmocionado tras la lectura de La voz dormida de Dulce Chacón y movido por su ignorancia sobre la guerra, comenzó a investigar, leyendo multitud de libros, viendo documentales y, sobre todo, entrevistándose con supervivientes del bando perdedor y familiares de las víctimas. El resultado fue un álbum compuesto por un CD con 18 canciones y un libro dónde se explica la historia real que hay detrás de cada una de ellas, y en el que colaboran historiadores como Julián Casanova y Daniel Sancet Cueto (escritor, historiador y cantante de Insolenzia), entre otros.

“Noche en la Ciudad” es una canción del segundo disco de Barricada “Barrio Conflictivo” editado por Oihuka en 1984. En esta canción hablan del mobiliario urbano de una ciudad semáforos, monstruos de hierro que duermen aparcados y asfalto con lineas blancas, un lenguaje familiar para cualquier taxista. Un gran disco para volver a escuchar otra vez.

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SALUT Y BUEN VIAJE.

THE CALL UP (TALKING TO ME VERSION MIX) – THE CLASH

para no escuchar la llamada a filas
No quiero matar!

Porque el que va a morir
Su héroe muerto

Hay una rosa que yo quiero vivir para
Si bien, Dios sabe que no puede haber cumplido su
No es un baile y yo estar con ella
Hay un pueblo – a diferencia de cualquier otro

Depende de usted para no oír la llamada a filas
“Nnnn” no debe actuar de la forma en que fueron criados
żQuién le da el trabajo de un “żpor qué debería hacerlo?
Cincuenta y cinco minutos después de las once

No es una rosa …

Hup 2 3 4 Me encanta la Infantería de Marina!
Hup 2 3 4 Me encanta la Infantería de Marina!
Hup 2 3 4 Me encanta la Infantería de Marina!
Si …

Depende de usted para no oír la llamada a filas
Depende de usted para no oír la llamada a filas
No quiero morir!
No quiero morir!

Hay una rosa que yo quiero vivir para
Todo depende de que no prestar atención a la llamada a filas

(Sotto voce) Para la cara derecha! (Grita)
Hup Hup 2 3 4 2 3 4 Hup 2 3 4 (se desvanece) Hup 2 3 4

Todo depende de que no prestar atención a la llamada a filas
Usted no debe actuar de la forma en que fueron criados
żQuién sabe las razones por las que han crecido?
żQuién conoce los planes o por qué se han elaborado?

Todo depende de que no prestar atención a la llamada a filas
No quiero morir!
Todo depende de que no prestar atención a la llamada a filas
No quiero matar!

Porque el que va a morir
Su héroe muerto

Tal vez quiero ver los campos de trigo
Más de Kiev y hasta el mar (coro)

Depende de usted para no oír la llamada a filas
No quiero morir!
Depende de usted para no oír la llamada a filas
No quiero matar!

Todos los jóvenes de las edades
Ellos marcharon con mucho gusto … a morir
Orgullosos padres de la ciudad utiliza para verlos
Lágrimas en los ojos

Todo depende de que no prestar atención a la llamada a filas
No quiero morir!

Otra vez Taxi Driver y otra vez The Clash, que se pude decir de este grupo que ya no se haya dicho?. Icono para bandas como Kortatu, Mano Negra o loquillo, como hubiera sido la historia de la música y del rock sin The Clash? (no lo quiero ni pensar), el enorme legado que nos ha dejado esta banda es incalculable. Para mi un humilde taxista The Clash es lo máximo, The Clash era el sol y nunca volvera a salir, nunca habra otro grupo como ellos Freedom Fighters.

Grupos que alguna vez fueron la representación de la energía joven y de la rebeldía se habían convertido en la nueva aristocracia del rock, tocando en estadios, escribiendo óperas del rock y saliendo de sus mansiones con el álbum listo. El vacío que dejaron fue llenado con algo que tenía aún menos que ver con el espíritu original del Rock & Roll: El complejo, pseudo intelectual y casi sinfónico rock progresivo.
El rock necesitaba un toque de realidad, y lo tuvo en 1976 cuando la escena punk estalló en Inglaterra. En la vanguardia estaban The Clash y los Sex Pistols, dos bandas londinenses influenciadas por MC5, The Stooges, la actividad militante del reggae (traída hasta el oeste de Londres a través de los inmigrantes) y las clásicas bandas del rock británico de la década anterior que canalizaron la ira y la frustración en las calles de los tristes mediados de los ’70 británicos en un nuevo, cauterizante y “anti-establishment” Rock & Roll. Su música encendió la antorcha de una revolución que eventualmente alcanzaría cada rincón del globo, y que tendría fuertes ecos en el rock de estos días.
En cuanto a los Pistols, nunca trascendieron de sus raíces punk, separándose a las 18 meses de haber llegado en el estrellato, pero The Clash provocó “una revolución musical sin precedentes” y llevó su espíritu revolucionario de los primeros días a través de una década de hacer música que ampliaría su espectro hacia el reggae, el ska, el Dub, el soul, el jazz, el rap y el funk. The Clash fue una de las bandas más importantes que alguna vez hubo.

Formados en mayo de 1976, The Clash hizo su debut tres meses más tarde frente a una audiencia invitada a su sala de ensayo, un galpón en las vías del tren en Camden Town. El grupo estaba compuesto por Joe Strummer (voz/ guitarra), Mick Jones (guitarra/ voz), Paul Simonon (bajo/ voz) y Terry Chimes (batería). Mick y Paul eran dos expulsados de una escuela de arte y reclutaron a Joe, que tocaba en la banda de pub Rock The 101’ers, después de ser sorprendidos por la gran carisma que tenía en el escenario y su presencia fuera de este. Con el aliento de su manager Bernie Rhodes (antes socio del manager de los Sex Pistols Malcolm Mclaren), empezaron a componer canciones que tendrían la típica velocidad y la conciencia social del punk: “White Riot” (inspirada en la participación de Joe y Paul en la marcha del Carnaval de Notting Hill, el festival anual de los afro-caribeños en Inglaterra, que terminó en disturbios entre los manifestantes y la policía), “Janie Jones”, “Garageland” y “Carreer Opportunities”. Aficionados a la música de las Indias Occidentales que sonaban en los clubes under, The Clash se convirtió en el primer grupo punk en combinar el punk y el reggae, haciendo el cover “Police & Thieves” de Junior Marvin, un gran hit underground, en su primer álbum, llamado “The Clash”, lanzado a la venta en mayo de 1977. Para ese entonces Chimes había sido reemplazado por Nicky “Topper” Headon, que fue el mejor baterista que se presentó en las audiciones.

En 1978 el grupo emergió de un intenso período de composición y ensayo para tocar frente a 80.000 personas en el “Rock Against Racism” al este de Londres, en el Victoria Park. Estaban a punto de empezar a trabajar en su segundo álbum, “Give ’em Enough Rope”, grabado en 3 meses por el productor estadounidense Sandy Pearlman en Londres, San Francisco y Nueva York. El disco presentó un sonido más pesado y los temas de la banda se ampliaron: terrorismo internacional, sanguinarios regímenes políticos y visiones de una inminente guerra civil inglesa, suministrados por la intensa y profunda lírica de Strummer.
The Clash disfrutó su experiencia en Estados Unidos: La música, los personajes que allí se encontraron, los seguidores y las ferias americanas. En su retorno a Londres, empezaron a cultivar un look más al estilo del rock and roll clásico (con un toque punk, evidentemente), dejándose crecer el pelo y usando borceguíes con hebilla, idea que sacaron de Johnny Thunders. El trabajo comenzó cuando hicieron el cover de la canción “I Fought The Law”, de Sonny Curtis, que escucharon a través de una rocola en San Francisco. En febrero de 1979 se embarcaron en su primer tour estadounidense, una excursión de 6 fechas en la que los acompañó uno de sus héroes, Bo Diddley. La respuesta a sus apasionantes y energéticos shows fue fenomenal, lo que les hizo prometer que volverían y harían el “trabajo” correctamente.

Una vez allí el grupo empezó a ensayar con un nuevo propósito, este era el de traer del pasado la música que les gustaba desde su juventud, no solo el reggae y el rock sino también el ska, el rythm & blues, el rock and roll, el soul y el jazz. Los resultados, grabados en el verano de 1979 por el loco pero también querido productor Guy Stevens, fueron lanzados a la venta a fin de año (y a principios de 1980 en EE. UU.) como el álbum doble “London Calling”, una obra maestra la cual la Rolling Stone votaría como el mejor álbum de los años 80. Mientras tanto, la banda retornaba a suelo norteamericano, esta vez con un tour de 6 semanas, con el soporte de sus viejos héroes (Sam & Dave, Screamin’ Jay Hawkins) y también de los nuevos (el cantante country Joe Ely y The Cramps).
De gira, la banda seguía componiendo y grabando imperiosamente, entregando nuevo material en Nueva York, Jamaica y Londres, absorbiendo nuevas influencias todo el tiempo. Un torrente de canciones fluyó hacia afuera, con rap, funk, dub y muchos otros estilos que se agregaban al propio. Al final, había suficientes canciones como para llenar 3 discos de vinilo, los cuales la banda obligó a su compañía disquera a que se vendieran al precio de uno. Y así salió a la venta “Sandinista!” a fines de 1980.
Volviendo a 1978, la banda se había separado de Bernie Rhodes, pero el volátil manager fue traído de vuelta en 1981. En vez de re-embarcarlos en un nuevo y largo tour por EE. UU., arregló 12 fechas en el Bonds, en el Time’s Square, Nueva York. El departamento de bomberos y policía trato de cancelar los shows, debido a la gran cantidad de gente que se hizo presente. Pero se llegó a un acuerdo, y agregando mas fechas, The Clash pudo tocar.

La escena musical en Nueva York era en ese tiempo vibrante, el hip-hop y la música electrónica empezaban a aparecer, y un fuerte toque de funk y dance se vio en “Combat Rock”, lanzado en mayo de 1982. Pero en el momento de más auge, cuando se lanzaron los cortes “Rock The Casbah” y “Should I Stay Or Should I Go?”, que llegaron a los primeros 10 en EE. UU., Topper Headon es echado de la banda debido a su adicción a la heroína y su alcoholismo. Terry Chimes retorna brevemente a la banda para tocar en un tour con grandes shows, incluido el de Shea Stadium, en el cual telonearon a The Who.
Despues de 7 años los lazos que unían a los componentes de The Clash se rompieron y, en 1983, abandona al grupo. Eventualmente, la banda se disolvería 2 años más tarde. En 1991 alcanzarían un tardío puesto número 1 en el Reino Unido, cuando “Should I Stay Or Should I Go?” fue relanzado como single después de ser usado en un comercial de pantalones vaqueros.
Sin embargo, las ventas de discos y las posiciones alcanzadas en las listas nunca reflejarán la verdadera importancia de The Clash. Fueron mucho más que eso, una banda que prefirió tomar el camino difícil al fácil o al dinero. Es corriente escuchar a los fans de The Clash decir “este banda me cambió la vida”: ¿Cuántos grupos son capaces de adjudicarse eso? Nunca habrá otro grupo como ellos.

Sandinista! fue el cuarto álbum de la banda, y el de mayor variedad musical que estos lanzaron. El disco fue emitido en 1980 como un álbum triple con 36 temas, 6 de ellos en cada lado.

El álbum fue grabado durante 1980 en Londres, Manchester, Jamaica y Nueva York y fue producido por la propia banda, en esencia por Joe Strummer y Mick Jones. Las versiones dub de algunas canciones fueron realizadas por Mikey Dread, quien ya había colaborado con la banda en su sencillo “Bankrobber” de 1980.

Cuando la grabación comenzó en Nueva York el bajista Paul Simonon se encontraba ocupado grabando una película por lo cual fue reemplazado brevemente por el bajista de Ian Dury & the Blockheads, Norman Watt-Roy. Esto fue razón de conflicto cuando Watt-Roy y el tecladista Mickey Gallagher, su compañero en los Blockheads, reclamaron ser en parte responsables de la composición del tema “The Magnificent Seven”. Sumado a esto Dread se molestó por no haber sido acreditado como productor del álbum. Otros invitados en la grabación incluyeron al actor Tim Curry (que colaboró haciendo la voz de un cura en “The Sound of Sinners”), la cantante Ellen Foley (novia de Jones en esa época), el guitarrista de Richard Hell Iván Julián, y Tymon Dogg, amigo de Strummer, que tocó el violín, cantó y se le acredita el haber compuesto el tema “Lose This Skin”. Dogg luego se uniría a la banda de Strummer The Mescaleros. Los hijos de Mickey Gallagher también formaron parte de la grabación cantando juntos una versión alternativa de “Career Opportunities” del primer álbum de la banda, y su hija Maria cantando parte de “The Guns of Brixton”, de London Calling, al final del tema “Broadway”.

En Sandinista! por primera vez los créditos tradicionales atribuidos por la banda a la composición (Strummer/Jones) fueron reemplazados por The Clash. Este fue también el único álbum de la banda en el cual los cuatro miembros cantaron algún tema.

La canción “The Call Up” es una clara canción antimilitarista de este triple LP “Sandinista”, pero de esta canción se han echo otras versiones, como esta de la película “Taxi Driver” una versión Mix de la famosa frase “Talking to me”. En los vídeos de abajo se pueden apreciar las dos versiones de esta “Llamada a Filas”, canción dedicada a los chicos de marrón de Collserola.

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SALUT Y BUEN VIAJE.

SI NO ME VEO NO ME CREO – CELTAS CORTOS

Una vez me fui de vacaciones unos días a Italia con amigos de Madrid y allí vi las cosas más extrañas… en un día cualquiera que yo solo me perdí.

Comenzó cuando me equivoqué de autobús de regreso para volver al camping y aparecí en un lugar de cutre donde todos me miraban con cara de jabalí.

Pregunté y un buen hombre me dijo “Para volver muchacho tu vente por aquí” cuando en estas que me saca una navaja: aflojame la pasta o te rajo el cabezín.

Y al ver que yo no tenia ni chapa me llevó por un callejón gris, en estas que vi un coche que arrancaba y fui corriendo y de un salto allí dentro me metí.

Los del coche se llevaron gran susto por lo cual el conductor murió, nos caímos por una cuneta, partiendonos la crisma y también el esternón.

Cuatro días después de estar en cama ya por fin desperté del gran shock y lo único que yo veía era una enfermera que de mi se enamoró.

Me cuidó como si fuera mi madre hasta que salí por propio pie, momento en el cual ella me dijo: por fin tu y yo los padres, este crío tuyo es.

Me da el crío y yo no entiendo nada, se va corriendo y abandona el hospital, y en Jamaica no se que idioma hablan, el crío me sonríe ya aprenderá castellano.

Y al final aparece un policía digo yo que si me podrá ayudar, ya por fin en la comisaría me detienen por secuestro y no llevar el carnet.

Semanas después de este percance se aclaró lo del secuestro pero no lo del carnet consecuencia tres días en chirona donde conocí una peña por lo menos enrollada.

Cuarenta días después de todo llegue nadando hasta cerca de Irún de allí a dedo hasta mi casa que alegría que alboroto y otro perrito piloto!

Mi mama “Qué yo que me creía, qué vaya un chico que era, qué todo el día por ahí”. Los colegas que les deje colgados “Qué vaya un mal amigo, qué no vuelven a salir”.

Así tíos ya veis lo que es la vida, no os coléis nunca en el autobús, pues es comienzo de una triste historia en que el protagonista eres solamente tú. En que el protagonista eres solamente tú.
El grupo se formó en el año 1986 en Valladolid. Ocho amigos, de los cuales la mitad tocaban en el grupo Almenara, deciden presentarse a un concurso de música, bajo el nombre de “Colectivo Eurofolk”. Ganan el primer premio, y deciden continuar tocando juntos, cambiando su nombre por el de Celtas Cortos, haciendo así un guiño a la marca de tabaco Celtas. De hecho, el guerrero celta que aparece en las carátulas de los primeros discos, no deja de ser una variación del que aparecía en las cajetillas, pero en vez de usar escudo y espada, aparece tocando una guitarra.
Ganaron otro concurso en abril de 1987, cuyo premio era la grabación de un disco. Lo tuvieron que compartir con otros dos ganadores, por lo que les correspondió editar tres canciones en el disco titulado “Así es como suena: folk joven”.
Tras ser rechazados por las discográficas, recibieron respuesta del productor ejecutivo Paco Martín para editar su primer disco.
Era Salida de emergencia que contenía sólo canciones instrumentales. Para el siguiente trabajo, Gente Impresentable, a la potente instrumentación se unió la voz y las letras de Jesús H. Cifuentes (Cifu). Su rock celta se combinaba con algunas letras reivindicativas y otras más melancólicas. Con el paso de los años su estilo fue mezclándose con muchos otros como la música caribeña, el flamenco, la música electrónica o el reggae. Tienen una larga lista de éxitos que encabezan temas como 20 de abril, La senda del tiempo, Tranquilo majete o No nos podrán parar.

En el año 2002 se produce la marcha de Cifu, que supone el punto de giro definitivo después de los anteriores abandonos de César Cuenca y Nacho Martín. Será sustituido por Antuán Muñoz. A comienzos de 2004, Carlos Soto (flauta y saxo) abandona el grupo para crear Awen Magic Land, su nuevo proyecto junto a María Desbordes. Posteriormente a inicios de 2006 Cifu vuelve al grupo (con la salida de Antuán) y comienzan a ensayar juntos de nuevo y a preparar su siguiente disco en el que se incluye su éxito Hay que volver, cuando se cumplieron 20 años de su fundación.
El 2 de septiembre de 2008 lanzaron su último trabajo: 40 de Abril, primero completamente inédito de la banda tras la vuelta a la misma de Jesús Cifuentes en el 2006.

“Si no me veo no me creo” es la quinta canción del segundo trabajo de Celtas Cortos “Gente Impresentable” de 1990, uno de los mejores discos del grupo. En este Gente Impresentable hay canciones instrumentales, (como en el primer disco de Celtas Cortos) pero en este segundo trabajo ya introducen canciones comprometidas como “Ke voy hacer yo ” y ” Haz turismo”, temas claramente antimilitaristas y críticos. Bueno esta canción “Si no me veo no me creo” dedicada a toda la gente que le gusta viajar con el transporte publico sobretodo en autobús.

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SALUT Y BUEN VIAJE

EL COCHE NO – DEF CON DOS

No pienso interrumpirte si azotas a mis hijas.
Te daré mis ahorros aunque no me los pidas.
No voy a disgustarme cuando quemes mi casa
aunque vea a mi familia abrasarse ante las llamas.
Llena de chinchetas todos mis zapatos
y llama al Perú con mi teléfono inalámbrico.
Calcina mis bonsais con un soplete.
Rompe mis jarrones del Lejano Oriente.
Puedes lapidar a mis ancianos padres
robarles su pensión y los bonos desgravables.
Diviértete torturando a mi esposa,
déjala si quieres ciega y coja.
Escupe en mis lentillas y en mi prótesis dental.
Contagia con el virus mis cuchillas de afeitar.
Méate si quieres en mi almohada
y suda los domingos con mi nuevo chándal.

Pero ándate con ojo, no te equivoques.
Hagas lo que hagas, no me rayes el coche.

¡No, no, el coche no!

Puedes robarme todos los amigos
y ridiculizarme delante de mis hijos.
Aprópiate de mis mejores ocurrencias,
hazlas tuyas y ponme en evidencia.

No voy a culparte por hundir mi carrera.
Por fin has conseguido que me linchen en la empresa.
Profana las tumbas de mis antepasados
y píntales bigote a las fotos de mi álbum.
Atame una rueda de molino al cuello
y haz que tu gato se coma a mi jilguero.
Pon ácido sulfúrico en mi bote de colonia
y si se te antoja cápame la boina.

Pero ándate con ojo, no te equivoques.
Hagas lo que hagas, no me rayes el coche.

¡No, no, el taxi no!
No No me rayes el TAXI.

Def Con Dos todo un grupazo que descubrí a principios de los 90 con este disco “Alzheimer” ,así empecé a escuchar otros estilos de música como el rap y el hip-hop combinado con rock duro y el punk, aunque ya escuchaba a Negu Gorriak (kortatu) que ya practicaban estos estilos de música mucho antes de descubrir a Def Con Dos.

En sus comienzos se llamaron Freddy Krueger y los Masters del Universo y estuvieron fuertemente influidos por Public Enemy, Beastie Boys y Run DMC, rapeando sobre bases instrumentales de hip hop preparadas por Julián Hernández de Siniestro Total. En su Segundo Asalto el sonido seguía siendo básicamente hip hop, pero empezaron a incluir guitarras, que fueron teniendo mayor importancia en los siguientes discos, hasta acercarse al rap metal. Según una entrevista en Radio 3, es tras escuchar una colaboración entre las bandas estadounidenses de Heavy metal, Anthrax y la de rap, Public Enemy cuando deciden incluir guitarras eléctricas en sus discos.

El nombre del grupo hace alusión al sistema de alertas utilizado por el Pentágono, donde el DEFCON-2 era definido como un estado de agitación global, aunque sin llegar a enfrentamientos militares entre los países.

Los textos de sus letras y de los manifiestos adjuntos en los libretos de sus discos pueden resultar ofensivos, con numerosas referencias a la cultura popular: el folclore, las noticias de actualidad, la publicidad, la música, el cine, la literatura, y los tebeos españoles y estadounidenses. Su álbum Armas pal pueblo (1994) es probablemente el primer disco español en llevar una versión en castellano de la etiqueta en blanco y negro del parental advisory (como la que se añade a los discos de letras fuertes en Estados Unidos). Debido en gran parte a sus polémicos textos, en sus inicios Def Con Dos no tenían mucho apoyo de grandes medios de comunicación (con excepciones como algunos programas de Radio 3 del ente público Radiotelevisión Española).

La situación cambió en 1993 cuando el director de cine Álex de la Iglesia estrenó su primer largometraje Acción mutante, encargando a Def Con Dos el principal tema musical, también titulado “Acción mutante”. Álex de la Iglesia también dirigió el videoclip de la canción.

Posteriormente, participarían también en el tema musical de la segunda película de Álex de la Iglesia, El día de la bestia, estrenada a finales de 1995. A esto sumarían su quinto asalto, el álbum Alzheimer, y también el disco denominado Ultramemia.

En 1998 apareció De poca madre, que confirmó la consolidación de su estilo, mezcla de rapeo a tres voces, guitarras metal y bases de hip-hop.

La banda se separó temporalmente en 1999, dejando un recopilatorio Dogmatofobia. Tras unos años de silencio, volvieron en 2004 con el disco Recargando. Durante esos cinco años de separación, los miembros de la banda se embarcaron en diferentes proyectos, entre los que destaca la formación Strawberry Hardcore, fundada por el cantante César Strawberry, el guitarrista Manolo Tejeringo y el batería Kiki Tornado. Dicha banda continúa hoy aún paralelamente en activo.

En 2006 editaron 6 dementes contra el mundo, disco en directo recopilatorio de su carrera.

Su último disco Hipotécate tú fue publicado el 10 de febrero de 2009.

El coche no es una canción del cuarto disco de Def Con Dos “Alzheimer” del año 1995, este disco supuso un punto de inflexión para Def Con Dos, ya que con este disco conseguirían un gran éxito y su estilo quedaba consolidado y definido.
Esta canción dedicada a los taxistas mercenarios de la estación de Sants, no me rayes el taxi, no no el taxi no.

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NO ME RAYES EL TAXI NO NO

SALUT Y BUEN VIAJE.

EARLY MORNING COLD TAXI – THE WHO

¿Quién, El – Early Morning Cold Taxi :

, Con la mejor cara de la vida en la ladera hacia abajo, Está en mis manos, sé que voy a hacer frente, . Mi niña está conmigo y todos mis amigos pueden ver. Aquí estoy de nuevo, Temprano en la mañana fría de taxi Temprano en la mañana fría de taxi Hecho lo anterior, hacerlo de nuevo, Sabemos por experiencia que no es en vano, Ella es la mejor que he tenido, no puedo ver, lo que alguien más puede hacer para mí. Es un largo camino a casa, pero el amor es tan caliente, ya lo verás. Aquí estoy de nuevo, Temprano en la mañana fría de taxi Temprano en la mañana fría de taxi Temprano en la mañana fría de taxi, Cada vez que lo hago, me siento tan abajo y hacia fuera, Temprano en la mañana fría de taxi, “Aunque mi mente piensa extraño voy a seguir, sin duda 3:36, hace frío, sé que estoy envejeciendo, Un día vamos a estar casados, Esto lo sé porque es lo que dijo, Entonces no más que mi mente se inquieta Temprano en la mañana fría de taxi, , Cada vez que lo hago, me siento tan abajo y hacia fuera, Temprano en la mañana fría de taxi, Aunque mi mente piensa extraño voy a seguir, sin duda 3:36, hace frío, sé que estoy envejeciendo, Un día vamos a estar casados, Esto lo sé porque es lo que dijo, Entonces no más que mi mente se inquieta Aquí estoy de nuevo, Temprano en la mañana fría de taxi Temprano en la mañana fría de taxi .

Early morning cold taxi és una cançó del tercer LP dels the who. Aquest LP és de 1967 i conté 28 temes. The who mítica banda de rock formada a londres en 1964, una de les bandes més influents en la història del rock, i molt influent en el moviment mod, amb el seu àlbum Quadrophenia i basada en la pelicula del mateix nom Quadrophenia, que parla del moviment mod, aquests mods s’uniran amb els rude boys de jamaica creant el moviment skinhead en la dècada de 1960. Així que aquesta cançó EARLY MORNING COLD TAXI dedicada als mods del taxi de barna.

SALUT I BON VIATGE.

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