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EL DIRECTOR JAPONÉS KOJI WAKAMATSU MUERE ATROPELLADO POR UN TAXI

 Koji Wakamatsu, el enfante terrible del cine japonés, desmontaba en su cine el mito de la integración de Japón en el capitalismo occidental tras la 2ª Guerra Mundial, a través de un cine violento y erótico, donde emergía un inconsciente colectivo escindido y pesadillesco. Y toda la violencia de su cine parece haberse volcado sobre él cuando, el 12 de octubre, fue atropellado por un taxi en el barrio Shinjuku de Tokio, precisamente el lugar en el que desarrolló sus actividades juveniles al margen de la ley. Tras varios días internado en el hospital, ha fallecido a la edad de 76 años, casi de un modo similar a Theodoros Angelopoulos en enero de este año, dejando una filmografía que es preciso revisar, ante el olvido en que ha caído su figura.

Pinku Eiga: violencia y erotismo

En su juventud, Koji Wakamatsu se ubicaba fuera de los márgenes de la ley, pues comenzó una carrera delictiva dentro de una banda de yakuzas. Se dedicaba a conceder de derechos de rodaje en el mismo barrio de Shinjuku, donde ha sido atropellado, y a finales de los años cincuenta fue detenido y encarcelado durante 6 meses. Así, toda su experiencia juvenil fue volcada en su primer cine en sus violentas obras de yakuza, pues en la cárcel “descubrió cómo se ejercía la autoridad policial de forma represiva y brutal”.

Y a la violencia, le añadió el erotismo, pues su primer film, rodado en 1963, permitió la eclosión de un nuevo género japonés: el pinku eiga (cine rosa en una traducción al español). Se trata de un género integrado por films eróticos de serie B, filmados en escasos días de rodaje y con actores no profesionales, que escapaban, por la marginalidad de su producción, al influjo de los grandes estudios y al control del gobierno. En dos años realizó 20 obras para la productora Nikkatsu, y después, pasó a la producción independiente con un presupuesto más bajo todavía.

El cine de Wakamatsu dispone de una vertiente sádica, donde la sexualidad no se experimenta como extensión de la búsqueda del placer, sino como instrumento de dominio y de poder. En Curriculum vitae de las relaciones sexuales (1964), la heroína se convierte en moneda de cambio dentro de una fábrica y de un burdel. Y en Taiji ga mitsuryô suru toki (Cuando el embrión es un cazador furtivo), un jefe secuestra a una vendedora de su establecimiento y la convierte en su esclava sexual, pues la mantiene atada en casa y la somete a torturas sin piedad.

 Sexo, violencia y, también, política, pues sus obras pretenden ser una crítica de una política japonesa presidida por la alianza con occidente. Así, su obra Nube negra (1965), donde aparece una mujer japonesa desnuda surcando una base del ejército americano en terreno japonés. Así, su cine se vería pronto apoyado por los opositores a la occidentalización del país, que critican la pérdida de tradiciones del país ante el boom económico capitalista del país, el milagro japonés.

Todo es pesadilla social que encuentra su forma fílmica en la serie B, como ocurre en Los secretos tras los muros (1965), un adolescente incestuoso espía a los moradores de un inmueble de los barrios pobres. El personaje nihilista e impotente dentro de un mundo capitalista competitivo se convierte en el protagonista habitual de su cine.

Una nouvelle vague a la japonesa

A partir de 1966, Masao Adachi se convierte en guionista y colaborador en su cine, y su cine adquiere un cariz experimental, próximo a la estética de improvisación de la nouvelle vague francesa, con un montaje discontinuo. En su mezcla de realismo descarnado y estética simbolista, su cine es proyectado en las salas de arte y ensayo. Crea obras llenas de energía e ira, destinadas a la juventud y a los estudiantes revolucionarios. Así, comenzó a fomentar el impacto visual, golpeando al espectador con la honestidad de sus paranoias y aproximando su cine a la estética de Eisenstein. Recurre, como en Iván el terrible, a la transición súbita entre blanco y negro y color, buscando la violencia del visionado.

 El color permite una exaltación de la sexualidad y de la sangre, elementos que ya tejían su cine y que toman un cariz más artístico y explícito gracias a la eclosión del rojo. Este color estalla en Violated Angels (1967), donde un joven asesina a todas las enfermeras del hospital, o en Go, Go Second Time Virgin (1969), donde una joven es violada por una pandilla en los suburbios mientras un tímido joven la observa en silencio, e invadida por el deshonor, le pide su muerte. También recurre a una liberación de la música respecto de la imagen, que se ubica como contrapunto gracias a la inserción de free jazz, y a un montaje que fomenta la velocidad, el frenetismo.

El film histórico

En los últimos años, Wakamatsu enfocó su mirada hacia la historia, criticando tanto la occidentalización de Japón como el imperialismo tradicional de su cultura. United Red Army, que obtuvo el Oso de oro a la mejor película asiática en la Berlinale de 2008, centrado en el grupo armado que trataba de proclamar el comunismo en el Japón capitalista. En 2010 realizó Caterpillar, donde seguía la vida de un soldado japonés que regresaba de la Segunda Guerra Mundial sin brazos y sin piernas, y trata de desmontar el patriotismo de la cultura japonesa. Y siempre con la violencia y explicitud que son señas de identidad de su cine.

 Koji Wakamatsu  en noviembre de 2010, fecha en la que, la cinemathèque de Paris realizó una retrospectiva de la obra de este cineasta olvidado de la cinematografía japonesa. Disfruté de la violencia próxima al surrealismo de sus primeros films de los años sesenta, aquellos que condensaban en una hora de duración toda la paranoia social que tejía la contradictoria realidad japonesa.  El pasado festival de Cannes,  presentando su última obra, un biopic sobre el escritor japonés Yukio Mishima, de bajo presupuesto y con una estética próxima al telefilm que la alejaba, a causa de su exceso melodramático, de la violencia de sus primeras obras. Aún así, es preciso reivindicar estas sombras del cine universal que, desde los márgenes, denuncia las contradicciones de una sociedad en crisis cultural.

SALUT Y BUEN VIAJE.

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RHINESTONE

“Rhinestone” es una película  de 1984, dirigida por  Bob Clark y interpretada por la cantante de country “Dolly Parton” y “Sylvester Stallone”.

Una popular estrella de la Música country, Jake Farris (Dolly Parton) le asegura a su manager (Ron Leibman) que ella es capaz de convertir a una persona común y corriente en una estrella musical en tan sólo dos semanas.El problema se le presenta cuando su sórdido manager selecciona al hombre, un odioso taxista de New York (Sylvester Stallone), con escaso talento para cantar.

 “Rhinestone” es una comedia musical más bien dirigida a los amantes de la música country. En esta película el taxi tiene poco protagonismo, concretamente el taxi de nueva york de los años 80, donde el taxi por excelencia de la gran manzana es el “Checker Marathon”, este popular taxi aparece en esta película conducido por “Sylvester Stallone” (asi que Rocky tambien fue taxista) haciendo de taxista alocado. En algunos momentos de la película  podemos observar a este carismático taxi de nueva york en acción.

En resumen película que describe como un taxista puede convertirse en estrella de la música (como el Fary), ese a sido el sueño de algunos taxistas dejar el volante por la fama y el dinero y convertirse en ídolo de temporada para usar y tirar.

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TAXI DRIVER – STEVE SCHAPIRO

Hace tiempo que Taxi Driver de Martin Scorsese está considerado un hito cinematográfico y que el retrato de Robert DeNiro como un psicópata de gatillo fácil con una cresta punk es ampliamente visto como una de las mejores interpretaciones jamás filmadas.
Steve Schapiro cuyas fotografías aparecieron en el Godfather Family Album de TASCHEN era el fotógrafo especial destacado en el plató de Taxi Driver, en el que capturó desde bastidores los momentos más intensos y violentos del film. Este libro edición limitada de las imágenes de Steve Schapiro en el set del rodaje de Taxi Driver,  más que un libro de imágenes fijas de la película, un libro de fotografía pura por derecho propio presenta cientos de imágenes nunca vistas que, seleccionadas de los archivos de Schapiro, pintan un retrato escalofriante de un pistolero desquiciado en la atmósfera furiosa de la era post Vietnam.

SALUT Y BUEN VIAJE.

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CONFESIONES DE UN TAXI DRIVER

“Confesiones de un taxi driver” o “Aventuras amorosas de un taxista” es una divertida comedia erótica inglesa del año 1976, su titulo original es “Adventures of a taxi driver”. Dirigida por Stanley a long y interpretada por Barry Evans, Judy Geeson, Adrienne Posta, Diana Dors, Liz Fraser, Jane Hayden, Ian Lavender, Stephen Lewis, Robert Lindsay, Henry McGee, Angela Scoular y Brian Wilde.

Esta divertida y picante película sobre un taxista londinense, dio lugar a la continuación de dos películas más
“Adventures of a Private Eye” y “Adventures of a Plumber’s Mate”.

Joe es un atrevido taxista en la gran ciudad de Londres, en sus numerosos servicios como taxista coge a chicas jóvenes y guapas con las que ofrece otro tipo de servicios además del taxi, este otro tipo de servicios extra comprometeran a Joe en situaciones dificiles, cuando llega a casa el marido de la usuaria del taxi, pillando a Joe con los calzones bajados (me recuerda mucho a la canción de barricada “Todos Mirando”). Una de las escenas que más me ha gustado es la de la ducha, otra escena divertida es la de la serpiente. Entre todas estas situaciones problematicas y divertidas,  esta la novia de este taxista  Carol una chica dominante y en cuyo cerebro repican campanas nupciales.

El otro protagonista indiscutible de esta “Adventures of a taxi driver” es el taxi británico modelo “Austin FX4” de 1965 totalmente pintado de negro es el taxi más representativo de Londres. 

En 1959, y luego de fabricarse 7.000 FX3, se presenta el FX4. Este modelo presentaba una gran mejoría en su interior, ya que incorporaba un nuevo asiento para dos o tres personas y uno rebatible, lo que le daba una capacidad de cinco pasajeros. Se mejoró el instrumental y el radio de giro se disminuyo a un poco más de 8 metros, En un principio lo propulsaba el motor Diesel de su antecesor, pero luego fue reemplazado por un naftero y una caja manual.

  Cuando recorran las ciudades de Londres o de Dublín, lo van a hacer en modernos autos como el TX2 o en furgonetas Volkswagen de vivos colores o con publicidades de Tévez en el Manchester. Poco ha quedado de estos autos pesados FX4, duros y nobles con su característico color negro.

Una divertida película sobre el taxi londinense, donde más de un taxista se sentirá identificado con las situaciones en las que se describen en la película, quien no ha cogido a una chica guapa en el taxi…. 

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            CONTRASEÑA: GreatParsnip

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BLUES BROTHERS 2000 (EL RITMO CONTINÚA)

Blues Brothers 2000 es una película de 1998 que es la segunda parte de la película de 1980 “Granujas a todo Ritmo” The Blues Brothers. Dirigida por John Landis, protagonizada por Dan Aykroyd, John Goodman,  Joe Morton,  J. Evan Bonifant, Nia Peeples, Steve Lawrence. Acompañados por pesos pesados de la música como James Brown, Aretha Franklin, B. B. King, Wilson Pickett,  Eric Clapton,  Esther Ridgeway, Gloria Ridgeway, Gracie Ridgeway, Sam Moore,  Paul Shaffer, Erykah Badu, Junior Wells, Lonnie Brooks,  Blues Traveler,  Jonny Lang, Eddie Floyd,.
          

Transcurre 18 años después de The Blues Brothers (Granujas al Ritmo), con Elwood Blues (Dan Aykroyd) después de ser liberado de prisión, esta vez de una prisión privada en lugar de la antigua cárcel del estado de Illinois representada en la primera película. Se entera de que su hermano, Jake (John Belushi) ha muerto, junto con su padre sustituto Curtis (Cab Calloway), y que el orfanato de los donde vivía ya no existe.Sin embargo, Elwood se entera que tiene un segundo hermano (político). El “hermano” es el hijo ilegítimo de Curtis, llamado Cabel “Cab” Chamberlain (Joe Morton), que hasta que Elwood entra en su vida no tenía conocimiento de ser el hijo de Curtis.

Cab es un comandante de la Policía del Estado de Illinois. Él se enfada y se niega a ayudar a Elwood, un delincuente habitual, pero Elwood le roba la cartera y compra un coche de policía en un negocio propiedad de Malvern Gasperone (BB King), quien deja la empresa para trasladarse a Nueva Orleans para embarcarse en “otro proyecto”.Elwood toma un trabajo como maestro de ceremonias en un club nocturno (un club de striptease propiedad del baterista de la banda de los Blues Brothers, Willie Hall). Allí descubre que el camarero, Mighty Mack (interpretado por John Goodman) tiene talento cantando, mientras que se entera que la mafia rusa ha estado exigiendo sobornos a la discoteca.Después de que la mafia rusa quemara el club, Elwood reúne nuevamente a la banda. Mighty Mack es su nueva pareja y con 10 años de edad, un huérfano llamado Buster (J. Evan Bonifant) .

La banda viaja a varios lugares de la primera película con una representación de cómo han cambiado. Además de huir de la mafia, Elwood también escapa del “grupo de poder blanco” (dirigida por Darrell Hammond) y de la policía de Illinois, al final el celoso y cruel Cab “ve la luz” y se convierte en un Blues Brother.Todos se dirige al sur de Louisiana con la intención de entrar en una batalla de bandas, celebrada en la mansión de una practicante de vudú llamado Reina Moussette (Erykah Badu). Compiten contra los Louisiana Gator Boys, una banda liderada por Gasperone.Policías y delincuentes buscan a Elwood, después de lo cual él y el joven Buster, una vez más salen a la carretera.La película está dedicada a John Belushi, Cab Calloway, y John Candy.

La Película esta acompañada por una potente Banda Sonora con canciones, soul, rock, country, góspel, rhythm blues y hasta calypso, géneros interpretados por la famosa The Blues Brothers Band:
Dan Aykroyd como Elwood Blues – armónica y voz, John Goodman como Mighty Mack McTeer – voz, J. Evan Bonifant como Buster Blues – voz y armónica, Steve Cropper como Steve “the Colonel” Cropper – guitarra rítmica y coros, Donald “Duck” Dunn como Donald “Duck” Dunn – bajo, Murphy Dunne como Murphy “Murph” Dunne – teclados, Willie Hall como Willie “Too Big” Hall – batería y percusión, Tom Malone como Tom “Bones” Malone – trombón, Saxofon tenor y coros, Lou Marini como “Blue Lou” Marini – saxofón alto, saxofon tenor y coros, Matt Murphy como Matt “Guitar” Murphy – guitarra lider, Alan Rubin como Alan “Mr. Fabulous” Rubin – trompeta, percusión y coros.

The Louisiana Gator Boys es un supergrupo ficticio de blues creado para Blues Brothers 2000. Compiten contra The Blues Brothers en la batalla de bandas. La banda se compone de:
  B. B. King como Malvern Gasperone – voz y guitarra eléctrica, Jeff “Skunk” Baxter – guitarra eléctrica, Gary U.S. Bonds – voz, Eric Clapton – voz y guitarra eléctrica, Clarence Clemons – voz, saxo tenor, saxo y pandereta, Jack DeJohnette – batería, Bo Diddley – voz y guitarra eléctrica, Jon Faddis – trompeta, Isaac Hayes – voz, Dr. John – voz y piano, Tommy “Pipes” McDonnell – voz, Charlie Musselwhite – voz y armónica, Billy Preston – voz y Sintetizador, Lou Rawls – voz, Joshua Redman – Saxo tenor, Paul Shaffer – director y voz, Koko Taylor – voz, Travis Tritt – voz y guitarra eléctrica, Jimmie Vaughan – voz y guitarra eléctrica, Grover Washington, Jr. – Saxofón barítono, Willie Weeks – bajo, Steve Winwood – vocals and organo.

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GRANUJAS A TODO RITMO (THE BLUES BROTHERS)

Granujas a todo ritmo de 1980 se encuentra el salto a la gran pantalla de los Blues Brothers, el combo de outlaws del rhythm and blues creado por Dan Aykroyd y John Belushi en los días del Saturday Night Live,  en el que John trabajó durante el período 1975-79.; dice la leyenda que surgió como un divertimento privado del dúo para relajarse y entretener al público en los cortes publicitarios, para luego convertirse en un exitoso sketch musical del programa. Finalmente llevaron sus alter ego de Jake y Elwood a la carretera, y a los estudios de grabación. Así que la película no podía hacerse esperar.

 Buena música, coches, humor, caos y destrucción. Contando con algunos de los mejores músicos del ramo. Y ahí esta la fabulosa Blues Brothers Band: Steve Cropper, Donald “Duck” Dunn, Matt “Guitar” Murphy, Willie Hall...  Con todos estos ingredientes y el genial de John Landis tras las cámaras el espectaculo estaba asegurado.

 Bien, con Jake recién salido de la cárcel, él y su hermano Elwood hacen una visita a la monja que les educó en el hospicio donde se criaron, y donde se enteran de que debido a no poder afrontar unos impuestos la casa para huérfanos va a cerrarse. Tras ver la luz viendo a un predicador que se parece mucho a James Brown , Jake y Elwood deciden reclutar a su antigua banda para dar conciertos y reunir el dinero necesario para que no cierren el hospicio: cinco mil dólares. Por supuesto, en su camino para conseguirlo, el dúo molestará a policias, cowboys y nazis de Illinois, desatando la libertad musical a golpe de volante.

Grandes actuaciones musicales con autenticos genios como Aretha Franklin y su potentísima discusión con su marido ficticio Matt Murphy en forma de “Freedom”, John Lee Hooker y su “Boom Boom” seguida de una hilarante discusión con su banda sobre quién la compuso, Ray Charles imponiendo su ley en su tienda de instrumentos y haciendo bailar a la calle con “Shake Your Tailfeather”, Cab Calloway calmando a las fieras con su gran clásico “Minnie the Moocher”… grandes escenas todas. Más las actuaciones de los Blues Brothers, claro está, repartiendo soul y R&B, o repitiendo la sintonía de Rawhide para salir vivos de un antro de vaqueros cerveceros amantes del country.  Granujas a todo ritmo tiene una de las bandas sonoras más potentes de la historia.

Granujas a todo ritmo es una película de culto para los amantes del volante y de la buena música, está protagonizado por dos grandes de la comedia norteamericana de la época en su mejor momento: el largamante añorado por muchos John Belushi (John Belushi murio dos años despues. La causa de muerte fue por drogarse con speedball, una inyección de cocaína y heroína) y Dan Aykroyd, otro gran tipo que junto a John conformaba una gran pareja de humoristas.  Tenemos muchos rostros conocidos ejerciendo de secundarios o haciendo escenas. Por ejemplo, Carrie Fisher , con su divertido papel de la novia psicópata de Jake. O el mítico Frank Oz, que aparece al principio del film, con su inconfundible voz de Rana Gustavo (en la versión original, claro). También se dejan ver John Candy, Twiggy, Steven Spielberg , hasta un fugaz Joe Walsh, más varios secundarios de rostro familiar.

A todo el paquete John Landis añadió varias secuencias locas de persecuciones automovilísticas en la más pura tradición americana de los 70s, usando puentes levadizos, carreteras y autopistas, centros comerciales, y hasta unas oficinas en un centro administrativo; para obtener el permiso para rodar allí se rumorea que Landis recurrió a la Mafia. ¡Hasta decidieron soltar un coche desde el cielo! Desde luego Granujas a todo ritmo batió récords en cuanto a niveles de destrucción cinematográficos se refiere. El número de coches de policia aplastados es digno de toda una revuelta popular.

Los Blues Brothers sin duda se han convertido en héroes (o mejor dicho antihéroes) para varias generaciones, amantes de los coches y la música. Su indumentaria se inspira en una mezcla de “los rude boys” ingleses provenientes del ska de Jamaica. La banda sonora de la película de los Blues Brothers es la mejor de la historia del cine musical.

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PELICULA DEDICADA A LOS BLUES BROTHERS DEL TAXI DE BARCELONA, SALUT Y BUEN VIAJE.

SALUT Y BUEN VIAJE

THE BLUES BROTHERS IN WINTERLAND

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EL COLECCIONISTA DE HUESOS

 “El coleccionista de huesos” es un thriller del año 1999, protagonizada por Denzel Washington y Angelina Jolie, dirigida por Phillip Nyce.
La película se basa en la novela de Jeffrey Deaver, en relación con el cuadrapléjico detective Lincoln Rhyme. Fue el primer libro de la “Lincoln Rhyme Series”. El bailarín de la muerte fue el siguiente libro de la serie. 

 Lincoln (Denzel washington) es un detective de homicidios que quedó tetrapléjico mientras resolvía un crimen. Sin embargo, sigue siendo uno de los mejores detectives de Nueva York capaz de seguir el rastro de sus pesquisas desde la cama en la que está postrado. Amelia Donaghy (Angelina Jolie), una joven policía que siente que el trabajo que realiza en las calles no tiene ningún sentido, es la encargada de inspeccionar los escenarios del crimen y a partir de sus informes Lincoln va descifrando las pistas que deja el asesino.

 El asesino utiliza un taxi de nueva york para desplazarse y secuestrar a sus victimas. Algo curioso son los seguros del taxi, el cierre centralizado son una especie de pinchos en miniatura que al intentar subir con los dedos para abrir la puerta causan cortes en los dedos, algo bastante útil para los que intentan abrir la puerta y salir corriendo el tradicional “sin pagar”.

 Una vez que secuestra a sus victimas las lleva con el taxi hacia el lugar representativo e histórico de la ciudad de Nueva York. Una vez allí las mutila cortándoles un trozo de hueso como bien indica el nombre de la película “El coleccionista de huesos”, (otro titulo perfectamente en sintonia con la película seria “El taxista carnicero”)  . Después de mutilar a la víctima coloca las pruebas (como una especie de gincana) para que sean encontradas y se pueda deducir cual es el mensaje que da este singular taxista.

Un singular asesino muy imaginativo que utiliza el taxi para escoger a sus victimas, secruestarlas, mutilarlas y asesinarlas. Con estas películas no me extraña que luego se desconfié de los taxistas, luego tenemos la fama que tenemos y una vez más el taxista es el malo de la película.

 Una  película con una buena fotografía de las calles de la  ciudad de Nuva York, un paseo por la Historia de la ciudad de Nueva York. Escenas muy interesantes del taxi de esta ciudad, la ciudad de los rascacielos la ciudad de Taxi driver.

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CARRETERA AL INFIERNO (THE HITCHER)

 “Carretera al Infierno” (the hitcher) del año 2007, es un remake o una nueva versión del clasico de terror de 1986. Esta nueva versión esta dirigida por Dave Meyers, y interpretada por Sean Bean,  Sophia Bush, Zachary Knighton, Neal McDonough. Esta  Carretera al Infierno con algunas diferencias, sigue los mismos pasos y argumentos que la primera “Carretera al Infierno” original.

 Grace Andrews (Sophia Bush) y Jim Halsey (Zachary Knighton) conforman una joven pareja de universitarios, que decide aprovechar las vacaciones de primavera para realizar un extenso viaje por los Estados Unidos a bordo de un Oldsmobile de 1970.
En una noche lluviosa, los jóvenes casi atropellan a un extraño “autoestopista” (interpretado por Sean Bean), un hombre que aguardaba al costado de la carretera por algún coche que lo trasladara. Horas más tarde se lo cruzan nuevamente en una gasolinera, por lo que Jim (quien se sentía culpable por su acción anterior) decide ayudarlo y llevarlo hasta un motel. Pronto el autoestopista, llamado John Ryder, se mostrará macabro y tenebroso, amenazando a la pareja. Hasta que en un descuido del psicópata, ambos logran echarlo del coche.

 Lamentablemente para ellos, la historia no termina allí ya que Ryder comienza a perseguirlos en medio de una masacre. Como si fuera poco, el teniente Esteridge (Neal McDonough) y la policía estatal de Nuevo México también irán tras los jóvenes, atribuyéndoles los asesinatos cometidos por el autoestopista.

 Estupendo y muy fiel remake de la película del mismo título de Robert Harmon rodado por el debutante Dave Meyers, quien realiza un trabajo casi a la altura del original. El hecho de contar entre sus filas con Eric Reed, guionista de la cinta de 1986, permite además que ciertas lagunas del guión original hayan sido mejoradas, (en especial el final, que en este caso esta mejor estructurado), manteniendo además las escenas más impactantes de la historia original.

Sean Bean carga con la responsabilidad de sustituir a Rutger Hauer como autostopista y la verdad es que sale airoso de la prueba. El actor británico opta por dar otro enfoque a su John Ryder, sin tratar de imitar la portentosa interpretación del holandés. Junto a él la sempiterna pareja de  intérpretes que por lo menos se esfuerzan en dar credibilidad y estar a la altura de los acontecimientos.

 Un remake que copia prácticamente todas y cada una de las secuencias de la cinta original y que traslada y adapta a los cánones actuales la película de 1986. Con esta ultima versión de “Carretera al Infierno” se acaba esta trilogía de terror de carretera, así que no cojáis desconocidos en la carretera es un consejo de un taxista.

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2N FESTIVAL DE CINE ANARQUISTA DE BARCELONA -16,17,18 I 19 DE MAIG

Ya casi un año y nos volvimos a ver, casi de casualidad, en ese bar, el de siempre y nos entraron ganas de volverlo a hacer ¿porque no? Después del corto invierno, del frio, aguardando la sequía mientras disfrutamos con el lento desmoronar de la economía y del estado del bienestar, y siempre pendientes de las profecías más catastróficas de viejas civilizaciones, de las cuales él tiempo tampoco tuvo piedad;  volvemos a tener ganas de juntarnos, pero esta vez que no sea en una mani(ni en un funeral!), sinó que sea para sentarnos, con la calma, y ver y charlar, que sea para mirar a través de otros ojos como se ve esta nuestra realidad tan cruda, a menudo tan dulcemente salvaje. Y lo haremos como nos gusta hacerlo, de forma anti autoritaria, combativa y creativa….

2N FESTIVAL DE CINE ANARQUISTA DE BARCELONA  *16,17,18 I 19 DE MAIG*

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AUTOPISTA AL INFIERNO

Siguen surgiendo nuevas historias entorno a esta carretera del infierno, esta vez mas concretamente hacia la famosa canción de AC/DC “Highway to hell”, aunque esta canción no tiene mucho que ver con el argumento de esta película “Autopista al infierno”, solamente la casualidad del mismo nombre. 

 Highway to hell es un film de terror clase B,  del año 1991. De origen estadounidense, fue dirigido por Ate de Jong, sobre un guión de Brian Helgeland y con las actuaciones de Adam Storke, Chad Lowe y Patrick Bergin.
 Sin duda mucha gente no habrá tenido el placer, por decirlo de algún modo, de ver este film que se estrenó el 21 de Noviembre de 1991 en Australia y que llegaría a España con el acertado título de “Autopista al infierno”.

 La historia nos cuenta la odisea que sufren una pareja de novios, Charlie y Rachel,  quienes ignorando una advertencia de un viejo que los atiende en una gasolinera, toman una vieja carretera secundaria en su afán de llegar a Las Vegas, siendo interceptados por un policía del infierno, quien rapta  a la chica llevándosela a los mundos de Belcebú.

 Regresa Charlie hasta donde el viejo de la gasolinera para averiguar mas, y este le da un arma y un coche especial para poder viajar al infierno. Allí encontrara todo un mundo, al mejor estilo Mad Max, en donde deberá hacer frente al Hellcop y al mismo Satanás, para llevarse a su esposa de regreso.

 Película divertida y rápida de ver , bastante previsible a cuanto a lo que va a suceder al final de la película. Destacar de esta “Carretera al Infierno” el grado de imanación de este infierno creado en la película, con un purgatorio, y la cantidad de personajes cómicos, sobre todo en esa especie de casino del vicio al lado de la carretera.

SALUT Y BUEN VIAJE.

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